The Jazz Street

Un repaso por el 2010

2011-02-19T06:47:00.000-08:00

Hasta hace algunos años atrás el jazz en el Perú era casi inexistente, sin embargo en el último tiempo ha habido un resurgimiento del género teniendo ahora un abanico amplio de propuestas. Nuevas agrupaciones y voces frescas han logrado que el jazz nacional vuelva a ser un tema de conversación.

The Jazz Street ha asistido a diversas presentaciones en los locales en donde se acostumbra a escuchar esta música, Jazz Zone, Cocodrilo Verde, Satchmo, Dragon, La Noche, entre otros, y hemos visto a diversos artistas tanto cosagrados como emergentes tales como Doo Bah Jazz, Yoly Sista, Joscha Otees, Pilar de la Hoz, Elsa Maria Elejalde, Edgardo Benedetti, Desire Mandrile, Sebastian Abad, Pamela Rodríguez, etc. Aquí un video recopilatorio de todos los conciertos grabados por TJS.

La Diva del Jazz Afro-peruano

2011-02-02T13:30:00.000-08:00

Elegancia, dulzura y carisma son las principales características de la cantante de quien les quiero hablar en esta oportunidad. Tuve el privilegio y el placer de trabajar con esta maravillosa cantante en varios eventos y, como un buen vino, su voz se pone cada vez mejor con los años; les hablo nada mas y nada menos que de la impresionante diva del jazz peruano Pilar de la Hoz.

Debo admitir que la primera vez que nos conocimos estuve muy nervioso ya que Pilar de la Hoz fue la primera cantante de jazz que escuché en el Perú y pensaba que como todo gran icono musical debía tener su lado soberbio, por suerte estaba equivocado ya que me encontré con una agradable mujer que al cantar lograba que el público volteara a verla y admirarla. Pilar es una de las pioneras de este nuevo género musical y nueva vertiente del jazz llamado Jazz Afro-peruano o también música peruana contemporánea en donde se mezclan los ritmos tradicionales de la música peruana con melodías jazzisticas creando así una fusión maravillosa.

“…yo creo que gracias a Susana Baca nos están abriendo las puertas en el mundo entero… quisiera participar en los festivales mas importantes, esa es mi meta”

(Diario “La Prensa” New York)

Con cuatro producciones discográficas bajo el brazo, Pilar de la Hoz no se detiene y continúa en este camino de la música el cual le ha traído tantas satisfacciones como por ejemplo en el año 2006 su disco Jazz con Sabor Peruano fue pre-seleccionado para los Latin Grammy en la categoría Mejor Artista Latin Jazz siendo la primera peruana en estar nominada en esta categoría. Actualmente la cantante se encuentra en preparación de lo que sería su 5ta producción discográfica del cual nos adelanta que será toda una sorpresa.

Lanzamiento "Jazz con Sabor Peruano" Satchmo 2009

Daniela y su Cielo Abierto...

2011-01-26T07:29:00.000-08:00

La primera vez que escuché a Daniela Ghersi fue hace más de un año en el Satchmo durante un concierto de la cantante Adali Montero titulado “Back to the Retro” en donde Daniela hacía los coros junto con otras 2 chicas. Grande sería mi sorpresa cuando empezó a hacer sus solos y bromas, es allí, entonces, cuando me di cuenta que brillaba con luz propia y se distinguía del resto de la banda.

Desde aquel momento comencé a ver a la cantante en distintos lugares y acompañando a diversos artistas como Desire Mandrile, Lourdes Carhuas entre otros y en cada momento mostraba esa chispa y carisma que tanto la caracteriza. Me puse a investigar sobre su trayectoria, y leyendo artículos sobre ella me sorprendí al ver su carta de presentación la cual era bastante sorprendente; en el 2008 participa en el “I Festival De La Canción Peruana” organizado por la empresa de celulares CLARO, convirtiéndose ganadora en la categoría Canción… al ganar esta competencia es donde Ghersi culmina las grabaciones de su primer trabajo discográfico titulado “Cielo Abierto” producido por ella misma, bajo la dirección y producción musical de Pedro Luis Pacora.

El viaje musical de esta cantante y compositora peruana todavía no termina, de hecho recién empieza, con una versatilidad que le permite incursionar en géneros musicales tan diversos como baladas, rock, pop, jazz y blues, Daniela Ghersi, o como sus amigos la conocen La Ghersi, tiene eso que muchos desearían tener… TALENTO.

UNA TARDE CON YOLY SISTA

2010-03-30T10:51:00.000-07:00

Una de las entrevistas mas divertidas que hemos tenido hasta ahora, la gran Yoly Sista nos visita en The Jazz Street para contarnos de sus inicios en el ambiente musical y sus experiencias desde cantar en la escuela del Jazz Juas hasta tener su trio vocal Ezquilache y llegar a formar parte del prestijioso coro Gospel Factory.

Muchisima suerte Yoly en los futuros proyectos y esperamos con ansias el disco.

PARTE 1

PARTE 2

Compralos y escuchalos.

2009-10-23T10:47:00.000-07:00

Miles Davis - Kind Of Blue

Obra celestial, imprescindible entre imprescindibles, música afrodisiaca, inspiración divina, el disco mas vendido no sólo de Miles sino de toda la historia del jazz, una de las mejores obras que jamás se hayan grabado. Esto y mucho más se ha dicho de "Kind Of Blue". Su reputación es tal que en cierta manera ha dejado de ser un simple disco para convertirse en un mito. "Kind Of Blue" es una de las obras fundamentales de Miles Davis, sin ninguna duda. Su éxito entre los aficionados al jazz tal vez sea debido a que esta obra se sitúa en el punto de equilibrio idoneo de la balanza formada por las diversas corrientes jazzísiticas. Aceptado de la misma forma por aquellos (crítica y público) más reaccionarios que por los otros más intransigentes, así como un disco perfecto para atraer la atención de los no iniciados al jazz.

John Coltrane - A Love Supreme

Considerada como una de las grabaciones más importantes de la historia del jazz. Este disco de John Coltrane significa una síntesis de sus exploraciones preliminares y la piedra de toque de toda la liberación musical que emprendería en los dos años y medio de vida que le deparaba el futuro: bien mezquino él, por lo demás. Grabado a fines de 1964 junto al clásico cuarteto de Coltrane, Elvin Jones, Jimmy Garrison y McCoy Tyner. "A Love Supreme" se convirtió en un éxito de ventas combinando concisión y prolijidad con provocación y espiritualidad. El disco es una plegaria de treinta minutos dividida en cuatro partes - Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" y "Pslam"- con una progresión temática y emocional que alcanza su culminación en su conclusión.

Herbie Hancock - Head Hunters

"Head Hunters" es una explosiva mezcla de jazz, funk y música africana y se compone de 4 temas de larga duración. El álbum comienza con una creación del saxofonista Bennie Maupin, "Chameleon", que es una composición muy pegadiza y también muy bailable, para seguir luego con la famosa "Watermelon Man" que consagró a Herbie Hancock como uno de los más importantes compositores de jazz. El tercer track, "Sly", está dedicado a Sly de "Sly and The Family Stone" un grupo pionero de funk y soul. Esta composición es un funky al estilo de la banda que lidera Sly. Y para terminar "Vein Melter", un tema lento donde el protagonismo corre a cuenta del saxofonista Bennie Maupin y del Fender Rhodes que toca Herbie Hancock.

Jamie Cullum - Twentysomething

Un chico de "veintitantos" años que sorprende a propios y extraños por su capacidad de tocar el piano y cantar standards del jazz mas clásico acompañado de un total desparpajo sobre el escenario. Sin duda, uno de los nombres importantes del siglo XXI en cuanto a jazz vocal que hará historia. Sólo es cuestion de tiempo para que este joven cantante se haga de un nombre importante dentro del mundo del jazz, para los amantes del género deben escucharlo de todas maneras.

Bjork - Gling Glo

Gling Gló es un disco de jazz de un famoso trío islandés del género, mas la voz de Bjork. El disco está cantado casi todo en islandés, a excepción de dos tracks que son en inglés. El trío se desempeña correctamente a través de los temas, sin brillar en exceso. Esto hace que la protagonista sea la cantante, brillante como siempre. De Bjork siempre se espera originalidad, buen gusto, rareza y sonidos raros. Disco muy simpático y agradable. Para el fan de Bjork, tienes que escucharlo...para el fan del jazz, escuchalo para apreciar un enfoque vocal distinto al del jazz tradicional.

Con el pasar de los años...(1ra parte)

2009-10-15T18:34:00.000-07:00

Muchos dicen que los años traen sabiduría, puede ser verdad como también que con los años algunos quedan en el olvido. Veamos a algunos de estos maestros que supieron como envejecer con el pasar de los años y bueno, seamos realistas, ellos son como el vino que con los años se ponen muchísimo mejor. La mayoria nos dejó hace ya algun tiempo pero sus obras maestras siguen vigentes, eso quiere decir que su dedicación de toda una vida a la música no fué en vano.

Un exelente ejemplo de como envejecer con gracia nos lo demuestra la bellísima Lena Horne (30 de Junio 1917), simplemente una leyenda viviente. Lena debutó como corista en el Cotton Club a los prematuros 14 años de edad, trabajó en 16 películas entre 1938 y 1978. Durante la Segunda Guerra Mundial hizo giras entreteniendo a las tropas y en 1980 a los 63 años de edad regresó con su musical "Lena Horne: The Lady and Her Music" . Recibió una estrella en el paseo de la fama en Hollywood y ha sido merecedora de 3 premios Grammy incluido uno por su larga trayectoria. Su última aparicion en televisión fue en 1999 y oficialmente se retiró del mundo del espectáculo en el 2002, actualmente Lena Horne tiene 92 años y es la última de esa hermosa generación.

1943 / 1957 / 1962 / 1980 / 1998

Otro gran maestro del jazz es el pianista Duke Ellington (1899 - 1974), empezó en 1919 tocando en diferentes bandas hasta que 1923 se mudó a New York permanentemente y trabajo en un quinteto que luego de presentarse en diferentes lugares se convirtió en una orquesta de renombre en 1933. Ellington es una de las mas grandes leyendas del jazz, se dice que llegó a escribir mas de 2000 piezas musicales durante su vida. Al fianl de su vide llegaron los cientos de reconocimientos como la medalla presidencial entregada en 1969 y en 1971 pasó a ser el primer musico de jazz en integrar La Real Academia de la Música de Estocolmo, estuvo nominado en 1965 para recibir el Premio Pulitzer, pero su candidatura fue rechazada, a lo cual reaccionó con una de sus frases más famosas: "El destino está siendo amable conmigo. No quiere que yo sea famoso demasiado joven". En febrero de 2009 su imagen fue grabada en la moneda de uso legar en USA de 25 centavos.

1933 / 1942 / 1950 / 1964

Una cantante que nunca perdió su estilo y continuó creciendo al pasar de las decadas es la extraordinaria Peggy Lee (1920 - 2002), se inició cantando en una radio local hasta que a los 17 años de edad se escapa de casa por los abusos de su madrastra y es donde se encuentra con el clarinetista Benny Goodman quien le pide que se una a su banda, Lee se une a la orquesta de Benny en 1941 y permaneció en ella durante 2 años hasta que decide empezar su carrera como solista. Peggy Lee se caracterizaba por poseer una de las voces mas bellas de la época, podía irradiar sensualidad y sofisticacion al mismo tiempo, además de ser el sex-simbol de la época. Lee podía cantar bellísimas baladas pero cuando llegaba el momento Peggy Lee podía darse tiempo para la música, ella realmente podía ser una cantante de swing. Desde 1946 escribió decenas de canciones sin perder su escencia original y durante el tiempo en que el rock empezaba a gustar entre los jovenes, Peggy fue una de las pocas cantantes de la "vieja guardia" en reconocer este género musical. Fué nominada 12 veces para el Grammy ganando solo el premio a Mejor Voz Femenina en 1969 y otro por la totalidad de su carrera en 1995, y en 1999 ingresó al salon de la fama de los compositores.

1943 / 1952 / 1962 / 1971 / 1986

El trompetista y segun algunos el cantante mas influyente del jazz es el incomparable Louis Armstrong (1901 - 1971), entre 1918 y 1919 con una reputación bien ganada como cornetista, fué contratado para tocar en una orquesta de jazz. En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos para incorporarse a la Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial. Armstrong poseía una voz grave y pastosa que lo caracterizó durante toda su vida y aun se le recuerda por eso, siguió trabajando hasta pocos años antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.

1932 / 1942 / 1956 / 1962 / 1968

La cantante Ella Fitzgerald (1917 - 1996) es probablemente la mejor vocalista en la historia del jazz, incluso en sus últimos años mantuvo su magestuosa e increible voz. Debutó en los escenerarios en 1934 a los 16 años de edad, cantando y ganando un concurso de talento. Empezó a cantar en la orquesta de Chick Webb hasta 1940 tras el fallecimiento de Webb. En 1946 empezó a cantar regularmente en diferentes clubes de jazz y ya ganandose un respeto por sus pares en la música. Estuvo de gira con la banda de Dizzy Gillespie y adoptó el bebop como parte de su estilo, y comenzó a incluir fragmentos de scat en sus interpretaciones. Sus grabaciones de "Lady Be Good", "How High the Moon" y "Flying Home" durante 1945-1947 se hicieron muy populares y su estatura como una de las primeras voces del jazz se asentó, continuó cantando y encantando a su público hasta sus últimos días, ya ciega a consecuencia de la diabetes que padecía, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía pero su vigencia hasta el día de hoy demuestra que todo su trabajo no fué para nada en vano.

1942 / 1958 / 1969 / 1974 / 1984

Hablando con los musicos...

2009-10-09T18:25:00.000-07:00

Dentro del inmenso mundo del jazz se extienden varias ramas, una de ellas es el "scat". El scat es un tipo de improvisacion vocal que por lo general no tiene sentido ni letra, haciendo que la voz se convierta en un instrumento mas. El scat se creo inicialmente por cantantes de jazz que querian compenetrarse con sus musicos y que hablasen en su propio idioma, este genero consiste en imitar sonidos de los instrumentos musicales, principalmente la trompeta, el trombon, saxofon, contrabajo y piano.

Aunque muchos piensan que debe de ser facil cantar con este genero, pues se equivocan, el scat requiere de años de practica y habilidad ya que puede llegar a ser mucho mas dificil que un simple boop-boop-a-doop y un bee-bop-a-lula.

Uno de los primeros y segun algunos, el primer, cantante en utilizar esta tecnica vocal fue el norteamericano Al Jolson a mediados de 1910 aunque no se le recuerda por su facilidad para el scat sino por su exelente actuacion para la película "the Jazz Singer".

A lo largo de los años cientos de cantantes dentro del mundo jazzistico han utilizado y perfeccionado esta tecnica al incluirla dentro de sus repertorios; el scat les permite hacer lo que mejor saben hacer los cantantes de jazz lo cual es improvisar y el scat les permite expresarse y hablar en el mismo idioma de los musicos de jazz.

• Hablemos ahora de algunos de los cantantes mas representativos del scat y veamos su evolucion a traves de las decadas.

En 1926 el trompetista y cantante Louis Armstrong popularizo el tema "Heebie Jeebie" por la pequeña parte de scat en la canción, además por su grave y rasgada voz que aparentaba ser el sonido de un trombon.

Segun historiadores dicen que Armstrong enseñó el scat al director de orquesta y cantante Cab Calloway quien se enamoró completamente de este género añadiendolo en sus presentaciones.

Algunos dicen que es la cantante mas representativa del scat y en parte es cierto, la cantante Ella Fitzgerald ejecutaba el scat de una manera espectacular dejando al público con la boca abierta. Ella popularizó el scat y lo llevó a niveles inesperados ganandose el respeto de sus pares dentro de la industria musical.

Otran gran cantante de jazz que incursionó por muchos años en el scat fue la gran Sarah Vaughan o como la llamaban "Sassy", muchos la consideran, junto con Ella, como las mejores cantantes de scat de la historia. Su tonalidad grave y su increible fraseo facilitaban su canto.

• "El jazz es improvisacion, es crear arte, es dejarte llevar, el jazz es mostrar tu alma en su forma mas bulnerable". Duke Ellington (1899 - 1974)

Un pequeño cantante pasaba desapercibido por esta técnica vocal, era el cantante Mel Tormé, manejaba el scat con una facilidad impresionante que hacia creer que era facil, mas no lo era. Tormé estudió años en un conservatorio perfeccionando su voz hasta que encontro en la voz de Fitzgerald, una gran influencia dentro del scat.

En la actualidad tenemos grandes cantantes de jazz que siguieron los pasos de los grandes del pasado, han mantenido el scat en su forma tradicional pero al mismo tiempo lo han llevado a un nivel mucho mas alto; que si Armstrong, Fitzgerald, Calloway o Vaughan estuviesen aqui, tengan por seguro que se pondrían muy orgullosos.

Nombremos algunos de estos nuevos "scat singers".

Uno de los mejores "graduados" es Bobby McFerrin, aprendió de los maestros del jazz. Lo curioso de Bobby es que es un cantante que casi nunguna de sus canciones tienen letra, la gran mayoría son cantadas con la técnica vocal del scat.

Una cantante muy particular llamada Ledisi ha llevado su fusion de jazz y soul a niveles inesperados, de la misma manera su scat es algo que todos deben deleitar, posee una habilidad y talento para el scat que muy pocos cantantes tienen, realmente es una de las revelaciones del jazz en los ultimos años.

Un grupo relativamente nuevo es la agrupacion Take 6, este sexteto de voces masculinas emplea el scat de una manera particular. La agrupación ha tomado su estilo de scat de las grandes Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.

Desde que el jazz se expandió por todo el mundo, han aparecido talentos ocultos que uno no lo podría creer; un perfecto ejemplo de lo que les hablo viene desde el Oriente, les hablo de la cantante y pianista Aziza Mustafa Zadeh.

• "El jazz irá a donde nosotros lo llevemos, mientras haya una persona en el mundo apasionada con este hermoso género, el jazz no morirá". Bing Crosby (1903 - 1977)

• Desde sus inicios en 1911 hasta la actualidad la tecnica vocal scat es una de las mas importante del jazz y de la música en general.

La realeza del Jazz

2009-10-08T10:11:00.000-07:00

Desde sus inicios en las calles de New Orleans, por el camino del jazz han pasado cientos y cientos de musicos y cantantes, algunos han desaparecido de la memoria de la gente y otros aun despues de casi 100 años siguen siendo recordados. Acontinuacion recapitularemos un poco a la gran realeza del jazz, desde sus reyes y reinas hasta los nobles, como alguna vez el trompetista Dizzy Gillespie dijo en su lanzamiento a la presidencia "Si salgo electo, dentro de mi gabinete estaran desde Louis Armstrons y Duke Ellington hasta Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Ray Charles"

El Conde y La Primera Dama

William James Basie nació el 21 de agosto de 1904 en New Jersey, y a la temprana edad de 5 años comenzo a tomar lecciones de piano de su madre. A los 10 años ya era un prodigio del piano, pero el no queria ser pianista, en vez, queria tocar la batería. Comenzo a aprender a tocar percusion, pero se encontraba frecuentemente opacado por el joven Sonny Greer, quien luego sería el baterista de la Duke Ellington Orchestra. Mas tarde, cerca de 1924, Basie se muda al Harlem, aqui es donde Basie comienza a integrarse a las grandes bandas de la epoca comenzando con Walter Page and his Famous Blue Devils, con los cuales gira por Kansas y el sur de EEUU, ganandose por esta epoca su famoso titulo de "Conde" (Count Basie)

Ella Jane Fitzgerald nacio en Newport News, Virginia el 25 de abril de 1917, y desde niña quizo ser una bailarina. Sin embargo escuchaba mucho jazz, y bailaba y cantaba con las grabaciones de Louis Armstrong, Bing Crosby y particularmente de The Boswell Sisters, a quienes admiraba profundamente. A los 17 años, y luego de pasar casi toda su niñez en reformatorios, tuvo su primer oportunidad de cantar en el famoso teatro Apollo, en una de sus Amateur Nights. Hacia 1935 conoce a Chick Webb en la Harlem Opera House, mientras ella cantaba y esto, inmediatamente le valio un lugar en la prestigiosa Webb`s Orchestra, hasta 1939, momento en que Webb muere y Ella se convierte en lider de la banda pasandose a llamar Ella Fitzgerald and her Famous Orchestra. Por esta epoca es cuando se la empieza a conocer como The First Lady Of Song (La Primera dama de la canción).

• Para quienes no las conocen The Boswell Sisters fueron el primer trio vocal de jazz y que realmente eran hermanas, tuvieron exito durante los años 20's y 30's, hasta que empezaron a aparecer nuevos grupos parecidos a ellas.

El Rey del Jazz

Al inicio del siglo 20, y como truco publicitario, los musicos de blues y ragtime comenzaron a llamarse asimismos con titulos nobiliarios del jazz. El primero en hacerlo fue Buddy Bolden, uno de los primeros grandes cornetistas de EEUU, al cual se lo conocio como El Rey del Jazz. Claro que sus competidores no dejarian que se lleve el titulo tan livianamente. Pero su titulo de rey fue usado mas como broma por los demas musicos, que con el respeto que Bolden se habia ganado. Asi, mantuvo su titulo hasta 1907 cuando lo internaron por intoxicacion alcoholica y fue institucionalizado. Es alli donde el cornetista Freddie Keppard tomo el titulo, hasta que en 1917 fue definitivamente adueñado por Joe Oliver.

La Dama Blanca del Jazz

Nacida el 29 de Mayo de 1920 bajo el nombre de Norma Deloris Egstrom, la cantante Peggy Lee inicio su carrera profesional en 1941 cantando en la orquesta de Benny Goodman. Los medios de comunicación y la critica la bautizaron como La gran dama blanca del jazz, o la Billie Holiday blanca, pero Peggy Lee, tenía un estilo propio y una voz personalísima e insinuante. No necesitaba que la compararan con nadie ya que manejaba una voz muy distintiva que la diferenciaba de las demas cantantes de la epoca, era una combinacion de sofisticacion y sensualidad que manejaba la cantante del tema "Fever"

Dios del Jazz

La historia desde donde se lo conoce como Dios viene de la mano de Fats Waller. Waller estaba tocando el piano en un teatro, cuando ve que entra Tatum al mismo. En ese momento interrumpe su acto, toma el microfono y dice: " Yo solo toco el piano, pero hoy Dios esta aqui dentro" y haciendo eso se alejo de su piano, invitandolo a Tatum a tocar. Desde entonces los conocedores del jazz han llamado a Art Tatum como El Dios del Jazz aunque muchos dicen que no merece el nombre de Dios ya que su estilo era muy parecido al de muchos pianistas de aquel entonces.

El Duque : Duke Ellington

El Rey del Swing : Benny Goodman

El Principe : Miles Davis

Los Principes del Swing : Louis Prima & Keely Smith

El sumo sacerdote del bop : Thelonious Monk

La Emperatriz : Bessie Smith

La gran dama del Jazz : Billie Holiday

El Presidente del Jazz : Lester Young

El grande del Jazz : Louis Armstrong

La sacerdotiza del Jazz : Nina Simone

Sole Gimenez

2009-05-19T09:50:00.000-07:00

Hola amigos amantes de la buena música, nos reunimos hoy para hablar de Sole Giménez, una cantante española que en poco tiempo sacará su nuevo disco en solitario, "Dos Gardenias", un trabajo de calidad donde esta prodigiosa voz española graba una selección de clásicas canciones con toques de latín jazz.
Sole Giménez, nace en París (Francia), en 1963. Con cinco años, se traslada junto a su familia a Yecla, Murcia (España). A comienzos de los años 80, junto a su hermano Juan Luis, se instala en Valencia, donde ambos dan forma al grupo de funk Presuntos Implicados. Reorientados hacia el soul y el pop, y transformados en trío con la entrada de Nacho Mañó, el grupo alcanza un considerable éxito desde finales de los 80 y toda la década de los 90. En 2006, la formación original de Presuntos Implicados se separó y Sole continúa su carrera solista, iniciada en 2004 con el álbum Ojalá. Desde ese primer álbum en solitario, Sole, ha cosechado muchos éxitos ligados al jazz, (álbum: "la felicidad"...) y se ha consagrado como una de las mejores voces españolas del panorama actual. Con este nuevo disco, "Dos Gardenias" que pronto estará en el mercado, Sole nos regala una relajante y dulce caricia a nuestros oídos que nos transportarán a los más exóticos y sensuales parajes latinos. Un trabajo lleno de elegancia y buen gusto, como últimamente nos viene "bienacostumbrando" esta gran vocalista.

http://www.youtube.com/watch?v=MwKodOsw0d4

fmd: Vicente Domínguez.

Homenaje a Stevie Wonder en la Casa Blanca

2009-02-27T16:00:00.000-08:00

Se ve perfecto, suena perfecto, la musica es perfecta, simplemente fue PERFECTO. Ayer los Estados Unidos y el mundo le dio un merecido homenaje al gran e incomparable artista Stevie Wonder en la Casa Blanca donde estuvieron la familia presidencial.

Ojo con los invitados!, empezando con Esperanza Spalding que canta Overjoyed. siguiendo con Tonny Bennet, Diane Krall, etc; pero aqui va la lista completa de temas y los interpretes respectivos.

Sir Duke
Performed by Stevie Wonder

Overjoyed
Performed by Esperanza Spalding

For Once in My Life
Performed by Tony Bennett

Blame It On the Sun
Performed by Diana Krall

Higher Ground
Performed by Mary Mary

Summer Soft
Performed by India.Arie

You and I
Performed by Martina McBride

I Never Dreamed You’d Leave in Summer
Performed by Anita Johnson pau

If It’s Magic
Performed by Paul Simon

Signed, Sealed, Delivered
Performed by Stevie Wonder

Superstition
Performed by Stevie Wonder

VER VIDEO HOMENAJE STEVIE WONDER EN LA CASA BLANCA

Historia de la Trompeta

2009-02-24T15:52:00.000-08:00

La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La trompeta comúnmente, está afinada en "si" (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación real

La trompeta está construida con un tubo de latón, generalmente, doblado en espiral de aproximadamente 180 cm de largo con diversas válvulas o pistones que termina en una boca acampanada, que recibe el nombre de campana o pabellón. Los dos primeros tercios del tubo son prácticamente cilíndrico, lo que le proporciona un sonido fuerte y brillante, al contrario de lo que ocurre con la corneta y el fliscorno, que poseen un tubo cónico y producen un tono más suave. Los otros dos tercios restantes son un tubo cónico, excepto en los últimos 30 cm en las que el tubo se ensancha para formar la boca en forma de campana. El calibre es una serie compleja de vueltas, más pequeñas en el receptor de boquilla y más grande justo antes del comienzo de la campana. El diseño cuidadoso de estas vueltas es crítico para la entonación de la trompeta.

Como con todos los instrumentos de metal, el sonido es producido por el aire que se sopla a través de los labios cerrados, obteniendo un "zumbido" en la boquilla y comenzando una permanente ola de vibración en la columna de aire en el interior de la trompeta. El trompetista puede seleccionar la ejecución de una gama de matices armónicos o cambiando la apertura y tensión del labio ejercida sobre la boquilla

La trompeta tiene tres pistones que dirigen el sonido por diferentes partes de la tubería que forma el instrumento y de esta manera alarga o acorta el recorrido del sonido y, por tanto, consigue su afinación cromática. Cada uno de estos pistones aumenta la longitud de los tubos cuando son pulsados, lo que reduce la tonalidad de la nota. El primer pistón, que está conectado a un tubo de largo mediano, reduce la nota de la trompeta en dos semitonos; el segundo pistón, conectado a un tubo de corta longitud, baja la nota un semitono; y el tercer pistón, conectado a un tubo largo, baja la nota tres semitonos. En ocasiones existe un cuarto pistón, como es el caso de la trompeta piccolo, que reduce en 5 semitonos la nota de la trompeta. Mediante la combinación de estos tres (o cuatro) pistones se consigue casi toda la afinación cromática dado que se obtienen hasta ocho longitudes diferentes en el tubo resonador. El sonido se proyecta hacia el exterior por la campana.

La historia de la trompeta se remonta a los orígenes de la historia de la humanidad. Casi tan antiguas como la flauta, que se reputa como el instrumento más antiguo y generalizado, debieron ser la trompeta y la corneta, derivadas del cuerno de buey que aún puede servir como trompa de caza. Por tanto, las primeras trompetas fueron fabricadas con cuernos de animales cocidos, cañas de bambú, tubos vegetales ahuecados o conchas de moluscos y eran empleadas por los hombres primitivos para diversas cuestiones como eran los entierros, rituales para ahuyentar a los malos espíritus, para la caza o transmitir señales.

Esperanza Spalding: el jazz tiene nueva amante

2009-02-19T15:44:00.001-08:00

El emblemático sello Montuno Producciones muestra en su portada, y desde hace ya algunos meses, a una nueva artista en su haber. A primera vista, la imagen de esta fémina y su contrabajo me produjo una intuición de que se venía algo grande. No me equivoque.

Con tan solo veintiún primaverales años, Esperanza Spalding, contrabajista, cantante y compositora, pertenece a esa camada de artistas que se les huele el talento. Se ha presentado en festivales y conciertos en diferentes partes del mundo, con comentarios sobresalientes de parte de los más afamados músicos y críticos musicales de todo el orbe.

Natural de Boston, esta artista norteamericana, de origen mexicano por parte de la madre, emprende su carrera musical desde muy pequeña (seis años) tocando el violín influenciada por la madre, pero fue uno de sus profesores, de aquellos tutores que nunca quedan en el olvido, el que intuyo lo que podría explorar la niña de aquel entonces con el contrabajo. Y acertó.

Curiosamente, Spalding fue descubierta por el pianista y productor musical Pablo Valero, quien pertenece al sello español Ayva Música. Sello que la acoge en la actualidad.

Junjo (2006), es el primer logro de esta excelente contrabajista. Nueve temas de las mejores melodías actuales del jazz, son los que dibujan el viaje musical, un repertorio fascinante. Adapta con suntuosas versiones, canciones de artistas como Chick Korea ("Hampty Dumpty") y Egberto Gismonti ("Loro"), y en lo restante –que es la gran mayoría- Spalding compone y realiza arreglos como si se tratara de una artista veterana. Impresiona el buen acompasamiento entre el contrabajo y el canto/susurro de su voz, donde lo realiza de forma impecable. Un talento que sorprende.

En este transitar sonoro, Spalding es escoltada por dos reconocidos músicos cubanos: El pianista Aruán Ortiz y el baterista Francisco Mela.

Junjo es el aroma, Esperanza la flor. El jazz tiene nueva amante.

Discos Recomendables (2da parte)

2009-02-16T18:07:00.000-08:00

Louis Armstrong: "Hot Fives And Sevens"

Publicado en 1999.

Esta edición del sello británico JSP contiene todas sesiones de los Hot Five y los Hot Seven y algunas grabaciones de Armstrong con los Savoy Ballroom Five y con su orquesta y, aun careciendo de la cuidada presentación de la de Columbia, ofrece un magnífico sonido por la remasterización de John R.T. Davies. Gracias a la creatividad y los inagotables recursos técnicos de Armstrong, estas grabaciones marcan el abandono del estilo polifónico y la improvisación colectiva del jazz de Nueva Orleáns hacia la predominancia del solista. La coda de “Cornet Chop Suey”, el stop-time de “Potato Head Blues”, la introducción de “West End Blues”, el scat de “Heebie Jeebies” o el dúo con el pianista Earl Hines en “Weather Bird” son algunos de los momentos más memorables de la historia del jazz.

Jelly Roll Morton: "Birth Of The Hot"

Publicado en 1995.

Las sesiones de los años 26 y 27 para el sello Victor con sus Red Hot Peppers suponen el punto álgido de la carrera de Jelly Roll Morton, el primer compositor importante del jazz. La edición del sello Bluebird incluye todas las master takes más cuatro tomas alternativas. Estas grabaciones, algunas de las cuales presentan elaborados arreglos (estructuras complejas, cambios de instrumentación), se hallan a medio camino entre la rigidez compositiva del ragtime y la espontaneidad de la improvisación jazzística, y en ellas Morton extrae lo mejor de sus músicos. Clásicos como “Sidewalk Blues”, “Grandpa’s Spells”, “Black Bottom Stomp” o “Dead Man Blues” suponen, a la vez, la culminación y el canto de cisne del estilo de Nueva Orleáns.

Billie Holiday: "Lady Day - The Best Of Billie Holiday"

Publicado en 2001.

Recopilación extraída de la caja “The Complete Billie Holiday on Columbia” que recoge, con una magnífica calidad sonora, algunos de los mejores momentos de la primera parte de su carrera, en compañía de destacados músicos de Swing, entre ellos Lester Young, con el que mantuvo una singular relación tanto musical como personal. Con su expresiva voz –aunque de registro limitado– su sentido del compás y fraseo, y su capacidad de transmitir sentimientos y de dar sentido a las letras, Lady Day nos dejó memorables interpretaciones de temas como “All Of Me”, “God Bless The Child”, “Billie’s Blues” o “My Man”, cuya influencia en generaciones posteriores de vocalistas de jazz ha sido decisiva.

Peggy Lee: "Black Coffe"

Publicado en 1998.

Peggy Lee firma con Black Coffe, su disco mas jazzistico, y precisamente aquel en el que mas esfuerzo hace por desligarse de la influencia de Billie Holiday con quien continuamente se le comparaba. El disco esta incluido en el libro: "Las grandes voces del jazz" . Esplendido disco que seguramente disfrutaran acompañado de una taza de un caliente cafe negro.

Frank Sinatra: "Sinatra - Nothing but the best"

Publicado en 2008.

El 13 de Mayo se publica “Nothing but the best”, el disco con lo mejor de Frank Sinatra, uno de los mayores iconos de la cultura popular de todos los tiempos. Todos los clásicos de Sinatra han sido remasterizados, de modo que se pueden escuchar detalles no apreciables en las grabaciones originales. Canciones eternas como 'Strangers in the night', 'My way', 'New York New York', 'I got you under my skin' o 'Fly me to the moon' han resistido el paso del tiempo y forman parte de la banda sonora de varias generaciones.

Bares y Clubs de Jazz

2009-02-15T20:03:00.000-08:00

JAZZ BAR (ESPAÑA)

Su historia comienza el 8 de noviembre de 1979 como un lugar de copas, actualmente compatible con luminosas tardes de café, donde cualquier reunión se transforma en acontecimiento gracias a su ambientación musical; el protagonista corre a cargo absolutamente de la música Jazz.

El Jazz Bar se encuentra situado en pleno centro de Madrid. Haciendo esquina entre la Calle Moratín y la Calle Santa María, dando su fachada hacia la Plaza de San Juan.

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JAZZ ZONE (PERÚ)

Una zona de jazz en el corazón de Miraflores (LIma, Perú) donde se rinde tributo a los clásicos y se da cabida a las más diversas vertientes del jazz contemporáneo. Un ambiente cálido que acoge a músicos jóvenes y experimentados, intérpretes de tradicionales temas stándards, de jazz fusionado con otros géneros o de ritmos populares alimentados con aires de jazz.

Un lugar para conversar, beber y comer -a la luz de las velas, y ante la mirada de Miles Davis, Billie Holiday o Thelonious Monk- sintiendo la fuerza y la magia de la música en vivo. El Jazz Zone se encuentra en Avenida La Paz 646 pasaje El Suche, Miraflores.

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CLUB DE JAZZ DE SANTIAGO (Chile)

No es un lugar comercial, pues lo sustentan los propios músicos. Esta combinación de su profundo amor por la música y la amistosa atmósfera informal del local es la que hace disfrutar tanto a los asistentes regulares como a los visitantes ocasionales a estas sesiones.Algunos de los más famosos músicos del mundo han tocado en el Club de Jazz de Santiago; el mismísimo LOUIS ARMSTRONG ha compartido este escenario con los músicos chilenos y han quedado encantados con este público cálido y entusiasta. Actualmente, una veintena de bandas tocan en Santiago, las cuales cubren una amplia gama de estilos.

El Club de Jazz de Santiago esta ubicado en José Pedro Alessandri 85 - Ñuñoa

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Historia del Contrabajo

2009-02-13T12:26:00.000-08:00

El contrabajo es un instrumento musical de la familia de los cordófonos por frotación o de arco, de voluminoso tamaño por ser el que produce los sonidos más graves. Tiene generalmente cuatro cuerdas, que al contrario de los otros instrumentos de su familia, como el violín o la viola, que poseen cuerdas afinadas por quintas ascendentes, el contrabajo posee cuerdas afinadas por cuartas ascendentes, (Mi-La-Re-Sol, desde la 4ª cuerda, más grave, a la 1ª, más aguda), aunque también los hay de cinco, en los que la quinta cuerda se afina en un Do o Si más grave que la cuarta cuerda.

Es el segundo mayor y más grave de los instrumentos cordófonos, superado solo por el octabajo, el cual da sonidos dos octavas más bajos que el contrabajo. Por eso, hasta tiempos relativamente recientes, muy pocas veces se usaba como solista. El primer contrabajista virtuoso fue Domenico Dragonetti.
Su sonido se produce por la vibración de las cuerdas al ser frotadas con un arco, aunque también pueden pulsarse con las yemas de los dedos, técnica que recibe el nombre de pizzicato o pellizco.

Sus orígenes se remontan al siglo XVI, época en la que ya existía un instrumento llamado violone del cual parece derivar. Sin embargo, hasta el siglo XIX no adoptó la forma y las características actuales, una combinación de elementos propios del violín y de la viola. También durante ese siglo se incorporó definitivamente a la orquesta, en la que desempeñaba un papel secundario: se limitaba a reforzar la parte del violonchelo. Las dificultades de la interpretación derivadas de su gran envergadura limitaron su salto a los escenarios. A pesar de todo, a finales del siglo XVIII y durante todo el siglo siguiente algunos compositores depositaron su confianza en el instrumento, que se fue ganando el respeto de músicos y de público. Hubo que esperar a la segunda mitad del siglo XX para asistir al verdadero auge del contrabajo de la mano de instrumentistas, pedagogos y, sobre todo, del jazz, que brindó la oportunidad de lucirse en solitario y posibilitó la adopción de nuevas técnicas interpretativas.

El origen del contrabajo, el mayor miembro de la familia de la cuerda frotada ha suscitado enardecidas discusiones entre los expertos. No existe unanimidad cuando se trata de decidir de qué instrumento deriva, aunque sí está claro que a partir del siglo XVIII adquirió entidad propia dentro del grupo de las cuerdas. Sin embargo, su emancipación en el ámbito musical puede considerarse ciertamente tardía en relación a otros instrumentos. Quizá todo ello se deba al hecho que, inicialmente, forma, tamaño, afinación y arco –es decir, los rasgos que lo definían- eran variables. La viola da gamba, la silueta del violonchelo o la característica forma de pera constituían algunos de los modelos tipo en los que los luthiers se inspiraban para su construcción. El contrabajo puede definirse como el segundo instrumento más grave de la familia de los violines, aunque presenta notables diferencias en relación a ellos.

Durante los siglos XVIII y XIX el instrumento ganó notoriedad en los salones de conciertos de las principales capitales europeas y pasó a ocupar definitivamente un lugar destacado en el ámbito musical gracias a las innovaciones en la orquestación llevadas a cabo por Beethoven,Wagner,Tchaikovsky, cuyas composiciones le concedieron un mayor lirismo a este instrumento. En 1839, Achile Gouffe llevó el contrabajo a la Ópera de París, escribió el primer método para el instrumento –cuyo número de cuerdas se había fijado en cuatro- e introdujo notables innovaciones tanto en el contrabajo propiamente dicho como en la forma del arco.
En los siglos XVIII y XIX coexistieron tres bajos de cuerda (a menudo afinados en la2, re3 y sol3), que sobreviven en la música folclórica de la Europa del este. Los antiguos bajos de los siglos XVI y XVII tenían cuatro o cinco cuerdas (excepcionalmente seis). Las orquestas de baile modernas añaden una cuerda aguda a los contrabajos, afinada en do3. Hasta el siglo XIX los contrabajistas usaron arcos con la vara curvada hacia afuera en relación con el encerdado; mucho después de que fuera normal el arco curvado hacia adentro en el violín, la viola y el violonchelo. El arco antiguo sigue en uso junto a los arcos modernos desarrollados en el siglo XIX. Entre los virtuosos del contrabajo debemos incluir al italiano Domenico Dragonetti, autor de conciertos, sonatas y diversas reducciones para el instrumento, Giovanni Bottesini el virtuoso por excelencia del contrabajo, al director ruso Sergei Koussevitzki, que también ha escrito para contrabajo, y al contrabajista de jazz, también estadounidense, Charles Mingus.

Discos Recomendables (1ra parte)

2009-02-11T16:48:00.000-08:00

"Kind Of Blues" (1959)
Es un álbum de estudio del músico estadounidense de jazz Miles Davis editado en 1959. Se convirtió en un gran éxito comercial con ventas superiores a los cuatro millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el disco más vendido de la carrera de Davis y el más vendido de la historia del jazz, tambien está considerado como la obra maestra del género. En el 2002 un jurado compuesto por expertos en preservación de música y sonido de los Estados Unidos anexó a Kind of Blue en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida norteamericana.

"The Best of the Song Books" (1956)
Los encuentros de Ella Fitzgerald con los mejores músicos de jazz, dieron lugar a discos y grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald, con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, los tres discos que grabó con Louis Armstrong, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son autenticas obras de arte. Pero sin lugar a dudas, el legado musical de Ella Fitzgerald, está contenido en los discos titulados genéricamente como "Song Books". Los "Song Books" de Ella Fitzgerald, fueron grabados a lo largo de ocho fructíferos años.

"Ella & Louis" (1956)
Con Louis Armstrong, Ella Ftizgerald grabaría tres discos, entre ellos éste: Ella & Louis, en el que la cálida voz de Ella y el impecable sonido de la trompeta de Armstrong se funden a lo largo de todas las canciones, en lo que se ha denominado "la base de todo dueto de jazz". Pero su condición de tropetista no impidió que Armstrong participase también con su voz, inconfundible y rasgada, en algunos duetos. Ella y Louis trabajaron duro y se implicaron mucho para producir este disco, que sería editado en 1956 y que deja patente la perfecta combinación y compenetración de estos dos músicos excepcionales. Recomendable tanto para aquellos fanáticos el jazz, como para los que no tiene mucho conocimiento sobre este tipo de música.

"The Best of the Blue Note Years" (1947 - 1952)
Blue Note fue la primera compañia discografica en dar la oportunidad de grabar como líder a Thelonious Monk. Los temas que aqui presentamos fueron grabados entre 1947 y 1952. En estas sesiones Monk se rodeó te genios de la epoca como el baterista Art Blakey o el vibrafonista Milt Jackson. Este CD contiene una seleccion de 15 temas obtenidos de los cuatro discos que conforman el "Complete Blue Note Recordings" de Monk. Aqui podemos encontramos tanto con grandes baladas como "Ruby My Dear" y "Round Midnight" como con piezas exóticas para aquel tiempo como "Epistrophy" y "Straight, No Chaser", que se han convertido en clasicos del jazz. Destacar que originalmente estos discos fueron publicados en formato de 78 rpm.

"Love Scenes" (1997)
En el mundo del jazz de tarde en tarde surge una figura que acapara la atención del público y el beneplácito de la crítica, al menos, en este último caso, hasta el momento en que dicha figura se convierte en el proyecto comercial de algún sello discográfico importante, que concede al trabajo del artista un respaldo publicitario propio de una estrella del rock. Tal es el caso de la canadiense Diana Krall. En 1997 Diana Krall graba "Love Scenes", un álbum que logró gran éxito y en el cual la personalidad musical de Krall alcanzó un punto de madurez óptimo. Temas como "All or nothing at all", "How deep is the ocean", "Peel me a grape" y "My love is" un tema acompañado por un solo instrumento, el contrabajo, nos dan un conjunto de melodías y ritmos llenos de expresiva sensualidad y calidad de sonidos elegidos con un cuidadoso criterio. Realmente se trata de un disco para sentarse tranquilamente y disfrutarlo en profundidad.

"Page One" (1963)
Joe Henderson pasará a la historia del jazz por varias razones, entre ellas la de ser el saxo tenor de dos de los discos más vendidos de la historia del sello Blue Note: "The Sidewinder" de Lee Morgan y "Song for My Father" de Horace Silver. De la importancia de su aportación al jazz queda como testigo este disco, el primero que grabó a su nombre como líder. "Page One" comienza con dos temas de Dorham: "Blue Bossa" y "La Mesha" (balada dedicada a su hija). A partir de ahí el disco es de Henderson y ya se nota en "Homestrecht". "Recorda Me" ya había sido compuesta en 1955 y "Out of the Night" en 1957. El disco se completa con "Jinrikisha", un tema de toques orientales y con un McCoy Tyner espectacular al piano. En la portada del disco sólo aparece el nombre de cuatro de los componentes del grupo. El quinto aparece como "etc". La razón es que Tyner tenía un contrato con Impulse y no podía aparecer en los creditos. A pesar de haber transcurrido mas de cuarenta años desde su grabación, Page One es un disco intemporal, una obra maestra de un musico que había encontrado la formula para hacer jazz de primera clase.

"Sings the Blues" (1966)
Corría el año 1966 cuando se publicó Nina Simone Sings The Blues. La también conocida como High Priestess of Soul llevaba ya casi 10 años editando álbums en los que su personal e inolvidable voz era, junto a su piano, la protagonista absoluta y en los que se demostraba su increíble versatilidad para adaptarse a diferentes estilos. Y en esta ocasión lo volvió a hacer, marcando un punto de inflexión en su fabulosa carrera.
"Do I Move You?", la canción con la que se inicia el disco - compuesta por la propia Nina Simone - nos plantea desde el principio una pregunta retórica; y es que no hay nadie que se pueda quedar indiferente al escuchar una de las más atractivas e importantes voces del Siglo XX. Nina Simone Sings The Blues contiene, como de costumbre, piezas de diversos autores y géneros. Nos encontramos el jazz de Gershwin en la maravillosa "My Man's Gone Now", el blues de Lil Green en la sensual "In The Dark", o una versión - quizás la mejor, junto a la que hizo Bob Dylan - de la pieza tradicional "House Of The Rising Sun". Pero, ante todo, ...Sings The Blues puso de relieve una vez más la originalidad y el talento excepcional de la artista estadounidense.

"Genius Loves Company" (2004)
Genius Loves Company es un álbum de 2004 de Ray Charles, el cual consiste en duetos de Ray con varios músicos. Los artistas fueron escogidos personalmente por Ray Charles. Además este fue el último álbum que grabó antes de su muerte. Y el 14 de febrero de 2005, ganó varios premios, incluido álbum del año y canción del año por "Here We Go Again".

"Back to Black" (2007)
Back to Black es el segundo disco de estudio de la cantante británica Amy Winehouse, que ha supuesto su consagración a nivel internacional. El disco ha vendido 10,005,175 copias [según media traffic] y es el 28 disco más vendido según esa misma página. Fue lanzado al mercado en octubre de 2006 en Gran Bretaña y en marzo de 2007 en España. Los sencillos que han ido saliendo de este disco han sido "Rehab", "You Know I'm No Good", "Back To Black", "Tears Dry On Their Own" y "Love Is A Losing Game".
El 10 de febrero del 2008, en la entrega de los Premios Grammy, Amy Winehouse y Back to Black sumaron 5 Grammys, convirtiéndose en los grandes ganadores de la noche.

Libros Destacados

2009-02-07T18:09:00.000-08:00

Libros argentinos de Jazz
El pianista argentino Luis Sirimarco es autor de los libros "Piano Jazz" (Introducción al Blues), "Blues Jazz Piano", "Rock Piano" y "Tango para todos lo instrumentos" . Piano Jazz (Introducción al Blues) es el primer libro en castellano sobre el tema.

Libros de música brasilera
Libros sobre música brasilera pueden ser descargados gratuitamente de la página web del Instituto Moreira Salles: www.ims.com.br. En la sección "Obras raras" de ese sitio se encuentran disponibles "Na roda de samba", de Francisco Guimar„es "Vagalume"; "O choro", de Alexandre Goncalves Pinto, entre otros.

Historia del Jazz en Chile
En Santiago fue presentado el libro "Historia del Jazz en Chile", escrito por el musicólogo Alvaro Menanteau. Se trata de la primera publicación que aborda ese tema en profundidad, y se vende acompañada de un CD compilatorio con 22 temas grabados por jazzistas chilenos entre 1926 y 1990.

Jazz y poesía
El libro "Blues" recoge los poemas de un joven autor checo, Václav Hrabé, fallecido en 1965. Según "El País" de España: "Blues es un tributo al jazz, un tributo de admiración y un acercamiento a una forma de vida rebelde, aunque esta vez la rebeldía viene del Este y de una sociedad socialista. (...)"

La carambola de Luc Delannoy
Carambola es el título del nuevo libro del filósofo e historiador musical Luc Delannoy y, a la vez, el nombre del último álbum de Chico O'Farril. En dicha publicación el autor hace una reflexión sociológica y filosófica sobre el jazz y la música en general.

Amy Winehouse (La voz de una Diosa)

2009-02-06T17:07:00.000-08:00

Amy Jade Winehouse es una cantante y compositora británica de jazz.

Su álbum debut, Frank, editado en 2003, fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Premio Ivor Novello en 2004 por su single Stronger than me. En 2006, Amy sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. En junio de 2007, Winehouse ha sido nuevamente nominada a los Mercury Prize, por Back to Black; su disco ha alcanzado el platino en Estados Unidos y, como broche de oro, ha conseguido tres nominaciones a los MTV Video Music Awards de 2007; ese mismo año, en noviembre, lanzó Back To Black Deluxe Edition, reedición de su exitoso álbum Back to Black y su primer DVD titulado Told You I Was Trouble.

El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por Back to Black, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado debido «a uso y abuso de narcóticos», y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala. Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas.

Winehouse nació en 1983 en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Se crió en los suburbios de Southgate (norte de Londres) y fue al colegio Ashmole School. Contando con 10 años, Winehouse fundó una banda de rap llamada Sweet 'n' Sour. Amy describió esta aventura como «los pequeños Salt 'n' Pepa judíos». Más tarde fue al Colegio Británico de Selhurst (Croydon). Acudió a la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School a los 12 años, pero fue expulsada a los 13 por «no aplicarse» y hacerse un piercing en la nariz.
Creció escuchando distintos tipos de música desde Salt 'n' Pepa a Sarah Vaughan, y le regalaron su primera guitarra a los 13 años. Como curiosidad cabe indicar que solía actuar en directo por pequeños pubs de Londres, en concreto por la zona del famoso mercado de Camden Town.
Su amigo, el cantante Tyler James, le dio su demo a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años. Firmó su primer contrato con la discográfica Island/Universal.

Back to Black tuvo un éxito rotundo, y una crítica favorable que ganó numerosas comparaciones con la «era Motown de R&B». La revista Rolling Stone dijo que en este álbum, Amy Winehouse desprendía la fuerza de los intérpretes de indie y de hip hop. La revista anglosajona People afirmó que «Back to Black es un disco que es mejor cada vez que lo escuchamos». The New Statesmen remarcó que este segundo trabajo era mejor que el primero, refiriéndose a él como «un impresionante trabajo de soul».

Amy Winehouse también ha recibido la atención de medios por causas ajenas a su voz. Su estilo, con su peculiar peinado con forma de colmena, ha engendrado imitadores y ha sido motivo de inspiración para diseñadores de modas, siendo Karl Lagerfeld el más conocido. Por otro lado, su comportamiento violento, sus ingresos en prisión, su drogodependencia y en definitiva los problemas médicos derivados de su comportamiento autodestructivo, se han convertido en noticias cotidianas desde 2007. Los abundantes problemas legales derivados de esta conducta han provocado que tanto ella como su marido hayan tenido que cancelar algunos viajes y conciertos.

En octubre de 2007, fue descubierta junto con su esposo, Blake Fielder-Civil, consumiendo marihuana en un hotel de Noruega.
En enero de 2008, fue difundido un vídeo donde presuntamente se observa a Winehouse fumando crack. Días después su compañía discográfica anunció que ingresaría a un centro de rehabilitación, por propia voluntad, para contrarrestar su adicción. En mayo, fue citada por la policía de Londres en relación al vídeo por delitos de drogas.

Poseedora de un timbre de voz capaz de adoptar todos los matices del mezzo-soprano, Amy Winehouse se acopla a estilos como el jazz, el blues y el soul. Su tipo de voz es de contralto, haciendo principalmente referencia a la contralto profunda, debido a la facilidad con la que afronta los graves.

Frank (2003) 1.500.000 copias vendidas

Back to Black (2006) 10.000.000 copias vendidas (a junio de 2008)

Novedades

2009-02-05T16:21:00.000-08:00

El landó de María Schneider
Compositora y directora de su propia orquesta, la norteamericana María Schneider incluyó en su último disco el tema “Aires de landó”. “Cuando empecé a escribirllo me parecía imposible trabajar con ese ritmo”, ha declarado Schneider, quien al visitar Lima descubrió que el cajón no era flamenco sino peruano.
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Jazz de antaño con las Hermanas Puppini
Son dos chicas inglesas y una italiana que no son hermanas, pero se llaman Puppini Sisters , cantan al estilo del jazz vocal de los años ’40 y se visten como publicidad antigua de Coca Cola. Interpretan covers y algunos temas propios en sus dos discos: Betcha Botton Dollar (2006) y The Rise & Fall of Ruby Woo (2007).
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Jazz for Obama
Es el nombre del concierto que ofrecieron en Nueva York destacados jazzistas con el fin de recaudar fondos para la campaña electoral del entonces candidato demócrata a la Presidencia de Estados Unidos. Barack Obama reveló a la revista “Rolling Stones” que en su ipod escucha a John Coltrane, Miles Davis y Charlie Parker.
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Cuadernos de Jazz
Creada en 1990, Cuadernos de Jazz es la revista de jazz más importante de habla hispana. Su edición # 109 contiene información sobre los contrabajistas Ron Carter y Esperanza Spalding, el pianista Hank Jones y la salsa de la Fania. El anterior fue un número doble que trató sobre el saxofonista Lee Konitz, las vocalistas de jazz italianas y los jóvenes pianistas europeos.
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Blue Note
En el 2009 Blue Note Records –que pertenece al Grupo EMI- cumplirá 70 años. El nombre de este sello discográfico especializado en jazz proviene de la característica blue note (nota azul) del blues y el jazz. Históricamente, ha estado asociado con el estilo de jazz hard bop, pero también con el blues, el soul y el gospel.
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Latin Jazz

2009-02-04T11:45:00.000-08:00

El jazz latino es una rama del jazz que se nutre los ritmos africanos y caribeños. El jazz latino se originó a finales de los años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música afro-cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubans, con instrumentos de jazz.
En comparación con el jazz americano, el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.

Las dos principales ramas del jazz latino son: la brasileña y la afro-cubana. El jazz latino brasileño incluye la bossa nova y la samba. El jazz afro-cubano se nutre de la salsa, el merengue , el songo, el son, el mambo, el bolero, la charanga y el cha cha cha. Otras no menos importantes corrientes del género son la Onda Nueva venezolana y el Tango Contemporáneo argentino.
La samba se origina en la música afro-brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. La bossa nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la samba, pero influida por música europea y estadounidense desde Debussy a jazz estaudounidense. La bossa nova se origina en los años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim y João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
La Onda Nueva venezolana surge como resultado de replantear ritmos autóctonos (particularmente, el joropo) y sustituir instrumentos nacionales vernáculos (cuatro - vihuela o guitarrilla de cuatro cuerdas - arpa y maracas) por el clásico ensamble de jazz: piano, bajo y batería. Esta expresión de jazz latino apareció formalmente a finales de 1960: fue creada por Aldemaro Romero con el apoyo en percusión de Frank "El Pavo" Hernández quien le imprimió su característico toque asincopado.

El Tango Contemporáneo argentino, creado por Astor Piazzolla, (quien lo definió como "música contemporánea de Buenos Aires") también intenta jazzear ritmos vernáculos en los que el tradicional bandoneón asume giros vertiginosos enmarcados en arreglos que semejan una especie de continuo jam session. Hay un inventario notable de piezas mereciendo especial mención Adiós Nonino, Libertango y bandas sonoras de películas como "Il Postino"("El Cartero"), "Scent of Woman"("Perfume de Mujer") y "True Lies"("Mentiras Verdaderas").
Aunque algunas tendencias actuales son proclives a afirmar que para entender el latin jazz es fundamental la canción "Manteca", de Mongo Santamaría - donde se aplicaba la clave de salsa y patrones rítmicos asincopados propios de la formas tradicionales del jazz norteamericano - asociándolo casi preferentemente con ritmos afrocaribeños, también es conveniente considerar otras corrientes como las antes mencionadas, que surgieron más o menos en la misma época; tal vez, como manifestación latina del llamado Crossover Jazz.

Ella - Billie - Sarah

2009-02-02T06:02:00.000-08:00

Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Sarah Vaughan están consideradas por muchos como las más importantes e influyentes voz femenina del jazz.

Ella Jane Fitzgerald apodada Lady Ella y The First Lady of Song fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop, etc.
Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz (y, en general, de la canción melódica popular). Estaba dotada de una voz con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara y precisa vocalización y su capacidad de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrolló en los años cuarenta y que anunció el surgimiento del bop. En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, con sus versiones de los temas de los grandes compositores de la canción popular estadounidense

Ganó 13 Premios Grammy, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que padecía, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California. De ella, su compañero y amigo Duke Ellington dijo "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

Billie Holiday cantante estadounidense de jazz, también llamada Lady Day. El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del "swing" y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young.

Aunque en los últimos años se ha hecho un gran avance en la investigación biográfica sobre Billie Holiday, su vida sigue teniendo numerosos episodios en la sombra y numerosos aspectos permeados de elementos míticos, legendarios, incentivados por ella misma en su autobiografía.

Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.

Sarah Vaughan apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante.

El apetito de Vaughan por la vida nocturna era legendario y solía quedarse de fiesta después de sus actuaciones hasta bien entrado el día. Vaughan era una bebedora empedernida aunque, que se sepa, nunca hubo ningún incidente de intoxicación obvia sobre el escenario, que afectara a su habilidad interpretativa. Vaughan fue, supuestamente, usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando la carrera de muchos de sus colegas. Vaughan fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años.

TRACKS:

01. Billie Holiday - Blue Moon

02. Ella Fitzgerald - I'm Glad There Is You

03. Sarah Vaughan - Bewitched

04. Billie Holiday - Georgia On My Mind

05. Ella Fitzgerald - isn't it romantic

06. Sarah Vaughan - Broken-Hearted Meldy

07. Billie Holiday - My Man

08. Ella Fitzgerald - My One And Only

09. Sarah Vaughan - Just One Of Those Things

10. Billie Holiday - St. Louis Blues

11. Ella Fitzgerald - Stardust

12. Sarah Vaughan - Like Someone In Love

13. Billie Holiday - The Very Thought of You

14. Ella Fitzgerald - What Is This Thing Called Love

15. Sarah Vaughan - No 'Count Blues

16. Billie Holiday - Wherever You Are

17. Ella Fitzgerald - You Leave Me Breathless

18. Sarah Vaughan - The Man I Love

La Danza Jazz

2009-02-01T08:21:00.000-08:00

El jazz comenzó como uno de los movimientos de baile popular de los inicios del siglo XX. En esa época, la música jazz era la que se escuchaba en la radio. Los pasos de danza adoptaron el nombre “jazz” de la música jazz.

Ya tenemos la respuesta, no fue difícil de explicar ¿o sí? De hecho, fue bastante simple; sin embargo, esta respuesta nos lleva a otra pregunta: ¿es la danza que en la actualidad llamamos jazz digna de su nombre? El ballet es fácil de reconocer.

Tan pronto como vemos los pies abiertos, el cabello en un chongo y los brazos elegantes sabemos que estamos viendo ballet. En cambio, el jazz resulta un poco más difícil. El término jazz es una etiqueta que ponemos a las danzas de los espectáculos de Broadway, de los videos de MTV, de compañías de danza de concierto como la de Hubbard Street, de los bailarines callejeros, de los grupos de danza drill1 y de los bailarines de tap.

A pesar de que estos tipos de baile parecen ser muy diferentes, tienen una raíz común.Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción.

El jazz no es ni monótono ni árido, pues está lleno de cambios inesperados y repentinos. Los diversos tipos de danza jazz surgieron del énfasis en la importancia del estilo individual y de la improvisación. Como lo que hemos observado en los bailarines de hip-hop de hoy, el jazz subraya la expresión individual. Cada maestro, bailarín y coreógrafo aporta un estilo único a la gran mezcla. Aquí la conformidad se desaprueba por completo.

Junto con la síncopa y la expresión individual, la conexión con la música es otro elemento del jazz. La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.La danza drill comenzó en los Estados Unidos en 1932. Los grupos que la practicaban mezclaron el orden y la perfección de los grupos militares y los de las rutinas interpretadas en el medio tiempo de los partidos de fútbol con el jazz.

Este estilo de danza se caracteriza por la búsqueda de la perfección en la ejecución de los pasos por todos los integrantes del grupo, por la formación rígida y, en ocasiones, por la igualdad de apariencia entre sus miembros. Ahora imaginemos que la danza es un enorme roble. Sé que puede requerir un poco de imaginación, pero por favor síganme la corriente.

En las raíces del roble encontramos la música jazz. El tronco del árbol está hecho de los tres elementos: la síncopa, que lo hace emocionante; el estilo individual, que brinda variedad; y la expresión musical, que lo hace más real. Ahora imaginemos que del tronco salen cuatro ramas centrales desde las que se extienden todas las demás.

La primera y más vieja rama es aquella de la danza popular. El hip-hop, el break dance, el disco, el twist y el swing crearon furor entre danzas populares de la música de su tiempo. Los pasos originales del jazz fueron exactamente esos. La danza popular da una gran importancia al estilo individual y a la expresión musical. Pero espera, me dirán ustedes, la mayoría de estos estilos musicales no usan la síncopa. Es cierto. Cuando nació el rock and roll, la síncopa desapareció de la música popular. Sin embargo, lo que vemos en la danza popular es una síncopa “visual”. Los cambios dinámicos frecuentes y los movimientos inesperados hacen el baile emocionante.

La segunda rama es la de la danza de teatro musical. Ya que el ballet es la danza de los reyes y las princesas, los musicales necesitaron danzas que vinieran de la gente común, por lo que utilizaron los pasos de los bailes populares y los combinaron con sus canciones. El jazz del teatro musical utiliza todos los elementos que hemos mencionado: es dinámico, individual y está estrechamente relacionado con la música.

La tercera rama que se desarrolló es la de la danza jazz de concierto. La danza de concierto se refiere, básicamente, al mundo del ballet y las compañías de danza moderna. Después del nacimiento de las técnicas formales de danza jazz en el teatro musical, este estilo halló su lugar entre las compañías de concierto. Así se mezcló con las técnicas moderna y clásica, por lo que frecuentemente se le denomina Jazz moderno. De cualquier manera, algunas compañías han comenzado a llevar una clase más tradicional de jazz al escenario.

La cuarta rama es la de los equipos de danza drill, las porristas y la gimnasia. Aquí me voy a ir hacia afuera del árbol (hacia los márgenes de la escena) por esta rama que es más una vara que una rama. Digo esto porque dichos estilos se separan del tronco del árbol más adelante, debido a que la enorme importancia que le dan a la precisión y a la conformidad impide la expresión del estilo individual.

A esta altura ya tenemos la imagen del árbol de la danza jazz plantado con firmeza en nuestras mentes. (¡Oh! ¿Cuándo se acabarán los juegos de palabras? Es mi última intervención, lo prometo). Ahora imaginemos que de las tres ramas (y la pequeña vara) se elevan cientos de miembros de nuestro árbol. Cada uno representa el estilo personal de un maestro. Finalmente, imaginemos que en esos miembros crecen miles de hojas que representan a cada estudiante de jazz. Sin importar lo diferentes que sean estos estilos, todos somos parte del mismo magnífico árbol de la danza jazz.

Las Mujeres se apoderan del Jazz en el Perú

2009-01-31T17:06:00.000-08:00

Pilar de la Hoz: Pilar de la Hoz nació como intérprete, diría yo, desde siempre, porque desde pequeñita ya tenia un amor incondicional por la música y porsupuesto por el cantoy, valga la redundancia, interpretaba ya las canciones muy a su estilo. Aquí les dejo una entrevista:

1.-¿Por què el publico italiano, peruano e internacional tendrìa que descubrir tu musica comprando tus discos...?

Tendría que descubrir la buena música que se está haciendo en el perú, la nueva música y el sentir de los peruanos de ahora.2.-Pilar cuantos temas has realizado y cuales han sido?En esta última producción titulada "Hozadías" he grabado 10 temas, los cuales son: Repercusión de Olga Milla, Muchacha viento de Daniel Kiri Escobar , Southamerican getaway de Burt Bacharach, Cómo he de vivir sin tí, Falling in love with love de Rodgers & Hart, Parque del amor de Olga Milla, Serrado de Djavan, Reverend Lee de Eugene Mc Daniels, Los amantes de Pepe Villalobos Ruiz, Love for sale de Cole Porter.

2.- Cuàles artistas podrias indicar como tus maestros o prefieres considerarte una outsider màs bien autodidacta?

Realmente soy autodidacta; porque lamentablemente no tuve la oportunidad de estudiar música y mis verdaderos maestros han sido los cantantes que he escuchado como Barbra Streisand, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Gal Costa, Jane Duboc, Lucio Dalla, Cecilia Bracamonte, Eva Ayllón, entre otros, he tenido la suerte de escuchar de todo y de aprender alguito de todos!!!

Gisella Altuna: Quien oye a esta extraordinaria peruana por primera vez queda simplemente extasiado y enamorado de su voz... Dueña de un talento innato, Gisella Altuna, intérprete de canciones con un sonido único combinando el jazz con instrumentos musicales peruanos, comenzó su carrera artística en 1997, cuando empujada por sus familiares y amigos la convencen de participar en un concurso para aficionados en la televisión limeña, logrando ganar en semifinales al interpretar dos boleros hermosos, como son: "La Mentira" (Alvaro Carrillo) y "Voy a Apagar la Luz" (Armando Manzanero).

Amante del Jazz y del Rhythm and Blues, también incluye en su repertorio temas exquisitos y celosamente seleccionados por ella misma entre lo mejor que dieron al mundo los grandes compositores de estos géneros musicales del país del norte.

Todo lo que cante Gisella Altuna, sea un vals peruano, un bolero, un blues o un bossanova, siempre será de exquisita calidad interpretativa, impregnada de su simpatía, con el arrullo y calidez de una voz fresca y personalidad sencilla y encantadora.

Ezquilache: Su nombre no es el tributo al apellido de su héroe de cabecera, sino a la calle donde empezaron hace tres años a ensayar. Claro, lo modificaron con la zeta de rigor. La zeta del jazz, que es el territorio básico para su propuesta.

Así nació Ezquilache, cuando tres chicas del cuerpo coral de las Voces del Jazz, se reunieron para estudiar eso que es su inspiración: las armonías vocales y Ella Fitzgerald.

Porque si bien cada una es compositora y cantante, vienen de territorios distintos. Yoly “Sista” García de los sonidos de los big bands y los arreglos con metales; Karin Zielinski del pop, el rock y el folk; y María Laura Bustamante del pop más acústico.

Cada una con una coloratura distinta, crearon un trío que si bien joven, tiene una calidad y creatividad de lo mejor, con voces que se ensamblan con la facilidad que dan horas de trabajo y la buena química. Y siempre con aspiraciones mayores.

Desiré Mandrile: una joven cantante peruana de 26 años que la escuche hace algunos dias y personalmente me gusto bastante, con influencias de Rythm, Jazz y Blues empezo su carrera artistica a los 12 años en Canada. Gran improvsadora musical dueña de una voz increible.

Cecilia Alessandra: Cecilia Alessandra, otra peruana que nos ofrece un variado repertorio de clásicos standards de jazz y bossa nova, así como música peruana con mucho swing, dentro de su propuesta de fusión.

Cuando en el 2006 conocimos el excelente disco recopilatorio "El sonido del jazz. Afro jazz peruano" editado por TDV Media & Entertainment. Esta mujer que canta en español, portugués, francés, italiano e inglés, es tan amplio su manejo de idiomas como su versatilidad vocal e influencias musicales. Así jazea un vals como si nada, se atreve con la fusión del flamenco y el chill out, del festejo con el techno, transforma una pieza clásica de jazz en un landó.

Cecilia ha dado un paso importante en su trayectoria y se suma a la plana de artistas que están haciendo que la música popular contemporánea peruana viva un buen momento y que sea disfrutable, vía exportación, como otros productos suculentos made in Perú.

Estilos del Jazz

2009-01-31T05:30:00.000-08:00

Swing: Si bien el jazz de Nueva Orleans se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensembles), cuando el jazz se hizo popular en los años 20 y la demanda de bandas de baile creció, fue necesario que estos ensembles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos incluían a más de tres o cuatro vientos. Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista , la era del Swing sólo comenzó “oficialmente” en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman. El Swing fue una importante fuerza en la música popular de Estados Unidos hasta que terminó la era de las big bands, o grandes bandas, en 1946. El Swing se diferencia del jazz de Nueva Orleans y del Dixieland principalmente porque sus ensembles son más sencillos y normalmente llenos de frases repetitivas (riffs) que contrastan con las más sofisticadas improvisaciones de los solistas.

Bebop: También conocido como Bop, fue un nuevo y radical estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40, explotando en 1945. La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro. Los ensembles se hacían en unísono y la mayoría de los conjuntos tenían siete o menos músicos. Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones, siempre que éstas se ajustaran a la estructura de acordes del tema. Los músicos del Bebop eran virtuosos que tenían la habilidad de tocar tempi extremadamente rápidos y de manera prolongada. El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Thelonious Monk, Max Roach, Tadd Dameron, Ray Brown, Kenny Clarke).

Cool Jazz (o West Coast Jazz): Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50. Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. A fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz. (Lester Young, Miles Davis, Lennie Tristano, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil Evans).

Mainstream: Describe el estilo adoptado por algunos músicos veteranos del Swing durante los años 50, quienes preferieron modernizar su estilo en vez de tocar Bop o unirse a bandas de Dixieland, aunque muchos lo hicieron para sobrevivir. (Lester Young, Coleman Hawkins, Buck Clayton, Harry “Sweets” Edison, Roy Eldridge).

Third Stream: Un término que describe una fusión del jazz con la música docta. Los ejemplos de esta mezcla de dos idiomas tan diferentes no han dado gran resultado. (Modern Jazz Quartet, Gunther Schuller).

Hard Bop: Es una extensión del estilo Bop, en gran parte ignorado por los músicos del West Coast Jazz. Las diferencias básicas entre el Hard Bop y el estilo Bop son varias: las melodías tienden a ser más simples y frecuentemente tienen más Soul (alma), la sección rítmica es más relajada y toca con soltura, el contrabajista no está obligado a tocar 4/4 (4 pulsos por compás: 1-2-3-4- etc.), y se utilizan elementos del Gospel (música religiosa de los Negros). (Art Blakey y los Jazz Messengers, Horace Silver Quintet, Clifford Brown/Max Roach, John Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis, Lee Morgan, Jimmy Smith, Kenny Dorham, Red Garland, Wes Montgomery, Roy Haynes).

Free Jazz / Avant-Garde: Free Jazz es un estilo totalmente radical. La música ya no es una forma libre continua, sino que los músicos gozan de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les parezca adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los ‘70, es todavía una opción viable para los improvisadores, y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz. El Avant-Garde se diferencia del Free Jazz en que sus ensembles actúan dentro de una cierta estructura, aunque las improvisaciones en general son igualmente libres de las reglas convencionales. Obviamente existen elementos básicos que comparten ambos estilos, y gran parte de los músicos identificados como seguidores de un estilo incursionan en el otro. En las mejores actuaciones de Avant-Garde es difícil determinar cuando termina la composición y comienza la improvisación. (John Coltrane, Ornette Coleman, Don Cherry, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Anthony Braxton, John Carter, De Blackwell, Paul Bley, Andrew Hill, Steve Lacy).

Fusión: Es un término usado de tal manera en los últimos 25 años que casi no tiene significado. Originalmente era una mezcla de las improvisaciones del jazz con el poder y ritmos del Rock. Cuando éste evolucionó y se tornó más creativo y la calidad musical de los músicos rockeros mejoró, y cuando muchos jazzistas se cansaron del Hard Bop y no les interesaba tocar exclusivamente música Avant-Garde o Free Jazz, los jazzistas y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Corea, Jaco Pastorius, Lenny White, Dave Weckle, Wayne Shorter, Jean Luc Ponty).

Post Bop o Mainstream Moderno: Hoy es sumamente difícil caracterizar el jazz moderno. Gran parte de la música no encaja dentro de los estilos de su historia. No es tan influenciado por el Rock ni es tan libre como el Avant-Garde. Desde los comienzos de 1989, con el surgimiento de Wynton Marsalis, una nueva generación de músicos jóvenes ha decidido tocar un estilo actualizado del Hard Bop, también influenciado por la música del quinteto de Miles Davis de mediado de los años 60. (Wynton y Branford Marsalis, Wallace Roney, Cindy Blackman, Antonio Hart, Vincent Herring, Joshua Redman, John Scofield, Christian McBride, Bill Stewart, Javon Jackson).

Historia del Saxofon

2009-01-30T09:10:00.000-08:00

El saxofón fue creado a mitad de la década 1840 por Adolphe Sax, un fabricante de instrumentos y clarinetista nacido en Dinant (Bélgica) que trabajaba en París, y salió a la luz oficialmente con la patente de 1846 (que le fue concedida el 17 de mayo). Hizo 14 tipos distintos de saxofones. La asombrosa habilidad de Sax para ofender a los fabricantes rivales de instrumentos y los desafortunados prejuicios existentes respecto a su persona e instrumentos condujeron a que el saxofón no se utilizara en las orquestas, quedando relegado durante un largo periodo a las bandas militares, a pesar de su gran amistad con algunos influyentes compositores parisinos como Berlioz.

El saxofón usa una boquilla con una sola caña similar a la del clarinete, pero con una cámara interior hueca redonda o cuadrada. El cuerpo del saxofón es cónico, dándole propiedades más similares a las del oboe que al clarinete. Sin embargo, a diferencia del oboe, cuyo tubo es un cono único, la mayoría de los saxofones tienen una curva en la campana que los distingue de éstos. Entre los saxofones soprano y sopranino es más común encontrarlos rectos que curvos, y aunque los altos y tenores rectos también existen, son más raros. Existe un debate entre los músicos sobre el efecto que tiene la curvatura en el sonido.
Con una digitación sencilla, el saxofón moderno es generalmente considerado un instrumento fácil de aprender, especialmente cuando se procede de otros instrumentos de viento madera, aunque a pesar de esto se requiere una cantidad considerable de práctica y trabajo para alcanzar un sonido con color y correctamente afinado.
Sin embargo el saxofón ha sido durante muchos años, víctima de una concepción errónea de que es fácil de tocar. Normalmente se admite que el saxofón es fácil de tocar, pero difícil de perfeccionar, sobre todo en el registro agudo. Esta es una idea equivocada que se podría rectificar añadiendo una palabra: el saxofón es fácil de tocar “mal” (Larry Teal).

Las boquillas están hechas en una amplia variedad de materiales, las hay tanto metálicas como no metálicas. Las boquillas no metálicas son normalmente de ebonita, de plástico o de caucho duro, a veces de madera, y raras veces de cristal. A las boquillas de metal algunos le atribuyen un sonido distintivo, descrito a menudo como 'más brillante' que las no metálicas. Algunos músicos creen que las de plástico no producen un buen timbre. Otros saxofonistas afirman que el material tiene poca repercusión en el sonido, si es que tiene alguna, y que son las dimensiones físicas las que le dan a la boquilla su color tímbrico. Las (Teal 17) con una cámara cónica son las más cercanas al diseño original de Adolphe Sax y funcionan muy bien en la interpretación clásica.
El jazz y la música popular que los saxofonistas tocan a menudo se hacen con boquillas abiertas. Están adecuadas de manera que el bafle, o "techo", de la misma esté más cercano a la caña, por esa razón se crea un flujo de aire más rápido. Esto produce un sonido más claro que acorta fácilmente las distancias existentes en una big band o entre instrumentos amplificados. Aunque las aberturas grandes, y el sonido resultante, están comúnmente asociadas con las boquillas metálicas, cualquier boquilla puede tener una. De esta manera se permite una mayor flexibilidad en la afinación, dando cabida a efectos como el bending, común en el jazz y el rock. Los intérpretes clásicos por lo general suelen optar por una boquilla con una abertura estrecha y un cámara más baja, produciendo un sonido más oscuro y estable. Muchos intérpretes clásicos tocan boquillas de caucho, con una cámara interior redonda o cuadrada.

La técnica para tocar el saxofón es subjetiva y esta basada en el estilo que se pretenda tocar (clásica, jazz, rock, ska, funk, etc.) además del sonido que el músico tenga idealizado y pretenda alcanzar. El diseño del saxofón permite una increíble variedad de producción tonal, y el sonido de saxofón "ideal" y las llaves para producirlo son temas que alimentan acalorados debates. Sin embargo, hay una estructura básica subyacente que sustenta la mayoría de las técnicas. El instrumento también tiene una estructura de digitación que lejos de ser una fija se acerca más una amplia variedad de alternativas que en variados casos pueden producir el mismo tono utilizando digitaciones totalmente diferentes. Esta versatilidad única le permite al interprete utilizar la digitación más conveniente dependiendo del la escala que este utilizando o el tipo de música que en ese momento interpreta.

Instrumentos del Jazz

2009-01-29T13:33:00.000-08:00

TROMPETA:

Rey de los

instrumentos

de jazz.

SAXOFON:

Fuerza

expresiva de la

trompeta y

agilidad del

clarinete. Hay

saxofones desde

el soprano hasta

el bajo, pasando por

el contralto, tenor

y barítono.

CLARINETE:

Símbolo de la

complacencia.

Esplendor en la

era del swing.

TROMBON:

Instrumento

rítmico y

armónico.

PIANO:

Ritmo y

armonía.

GUITARRA:

Instrumento

rítmico y de

acompañamiento

armónico.

CONTRABAJO:

Espina dorsal de

un conjunto de jazz.

Proporciona una base

armónica y tiene

un papel rítmico.

BATERIA:

Crea el espacio

en que la música

ocurre y ordena

el ritmo.

Historia del Jazz

2009-01-28T14:46:00.001-08:00

El jazz es, ante todo, improvisación, vida, expresividad, evolución constante. El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi, brota de las manos del pianista de un bar de Storyville, o en medio de los hombres de una banda de músicos que tocan para acallar la violencia de un ajuste de cuentas en Chicago. El jazz es también la voz de un clarinete que exalta la vida, y es también una plegaria a Dios.

La historia del jazz es una de las más originales de la música. Sus personajes y estilos, su fuerte individualismo, la hacen enormemente atractiva, y aunque algunas tendencias exijan una alta preparación por parte de los aficionados, es sobre todo música para escucharla con los pies.

El jazz perdurará mientras la gente lo escuche con los pies y no con la cabeza -, dijo hace tiempo el director de orquesta norteamericano John Philip Sousa. Y así fue durante los años 30, con las bandas de Nueva Orleáns - Buddy Bolden - o con las de los hombres de Austin High en los bares ilegales de Chicago. Se tocaba música para que la gente bailara.

A partir de los años 40. el público comenzó a escuchar jazz con la cabeza en vez de con los pies. Pero es que las nuevas formas - bebop. cool, free - dejaron un poco de lado el ritmo para atraer al intelecto, y como consecuencia a reducidos grupos de vanguardia. A pesar de todo y contradiciendo los malos augurios de Souse, el jazz perdura y el público lo sigue con extraordinario entusiasmo. ¿Cuál es el secreto? : su gran vitalidad.

Hablar del jazz como - música afroamericana - sería simplificar demasiado las cosas. Jazz es - una forma de expresión espontanea ú individual que se crea en el momento -. Es improvisación, libertad, canto de protesta y de marginación. La crearon los negros de los estados esclavistas del Sur -Alabama, Louisiana, Georgia - mientras trabajaban en las plantaciones de algodón. Sus blues y sus – spirituals - fueron la semilla. De ella nacerían los primeros sonidos del auténtico jazz, último género popular en la historia de la música occidental. Un tipo de expresión urbana que empezó a afianzarse en los cafés de los negros de Nueva Orleáns a finales del siglo XIX y principios del XX.