Novedades

El landó de María Schneider
Compositora y directora de su propia orquesta, la norteamericana María Schneider incluyó en su último disco el tema “Aires de landó”. “Cuando empecé a escribirllo me parecía imposible trabajar con ese ritmo”, ha declarado Schneider, quien al visitar Lima descubrió que el cajón no era flamenco sino peruano.
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Jazz de antaño con las Hermanas Puppini
Son dos chicas inglesas y una italiana que no son hermanas, pero se llaman Puppini Sisters , cantan al estilo del jazz vocal de los años ’40 y se visten como publicidad antigua de Coca Cola. Interpretan covers y algunos temas propios en sus dos discos: Betcha Botton Dollar (2006) y The Rise & Fall of Ruby Woo (2007).
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Jazz for Obama
Es el nombre del concierto que ofrecieron en Nueva York destacados jazzistas con el fin de recaudar fondos para la campaña electoral del entonces candidato demócrata a la Presidencia de Estados Unidos. Barack Obama reveló a la revista “Rolling Stones” que en su ipod escucha a John Coltrane, Miles Davis y Charlie Parker.
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Cuadernos de Jazz
Creada en 1990, Cuadernos de Jazz es la revista de jazz más importante de habla hispana. Su edición # 109 contiene información sobre los contrabajistas Ron Carter y Esperanza Spalding, el pianista Hank Jones y la salsa de la Fania. El anterior fue un número doble que trató sobre el saxofonista Lee Konitz, las vocalistas de jazz italianas y los jóvenes pianistas europeos.
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Blue Note
En el 2009 Blue Note Records –que pertenece al Grupo EMI- cumplirá 70 años. El nombre de este sello discográfico especializado en jazz proviene de la característica blue note (nota azul) del blues y el jazz. Históricamente, ha estado asociado con el estilo de jazz hard bop, pero también con el blues, el soul y el gospel.
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Latin Jazz

El jazz latino es una rama del jazz que se nutre los ritmos africanos y caribeños. El jazz latino se originó a finales de los años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música afro-cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubans, con instrumentos de jazz.
En comparación con el jazz americano, el jazz latino emplea un ritmo fijo usando a la vez una forma de clave. La conga, el timbal, el güiro y las claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido latino.

Las dos principales ramas del jazz latino son: la brasileña y la afro-cubana. El jazz latino brasileño incluye la bossa nova y la samba. El jazz afro-cubano se nutre de la salsa, el merengue , el songo, el son, el mambo, el bolero, la charanga y el cha cha cha. Otras no menos importantes corrientes del género son la Onda Nueva venezolana y el Tango Contemporáneo argentino.
La samba se origina en la música afro-brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. La bossa nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la samba, pero influida por música europea y estadounidense desde Debussy a jazz estaudounidense. La bossa nova se origina en los años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim y João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
La Onda Nueva venezolana surge como resultado de replantear ritmos autóctonos (particularmente, el joropo) y sustituir instrumentos nacionales vernáculos (cuatro - vihuela o guitarrilla de cuatro cuerdas - arpa y maracas) por el clásico ensamble de jazz: piano, bajo y batería. Esta expresión de jazz latino apareció formalmente a finales de 1960: fue creada por Aldemaro Romero con el apoyo en percusión de Frank "El Pavo" Hernández quien le imprimió su característico toque asincopado.

El Tango Contemporáneo argentino, creado por Astor Piazzolla, (quien lo definió como "música contemporánea de Buenos Aires") también intenta jazzear ritmos vernáculos en los que el tradicional bandoneón asume giros vertiginosos enmarcados en arreglos que semejan una especie de continuo jam session. Hay un inventario notable de piezas mereciendo especial mención Adiós Nonino, Libertango y bandas sonoras de películas como "Il Postino"("El Cartero"), "Scent of Woman"("Perfume de Mujer") y "True Lies"("Mentiras Verdaderas").
Aunque algunas tendencias actuales son proclives a afirmar que para entender el latin jazz es fundamental la canción "Manteca", de Mongo Santamaría - donde se aplicaba la clave de salsa y patrones rítmicos asincopados propios de la formas tradicionales del jazz norteamericano - asociándolo casi preferentemente con ritmos afrocaribeños, también es conveniente considerar otras corrientes como las antes mencionadas, que surgieron más o menos en la misma época; tal vez, como manifestación latina del llamado Crossover Jazz.

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Ella - Billie - Sarah

Ella Fitzgerald, Billie Holiday y Sarah Vaughan están consideradas por muchos como las más importantes e influyentes voz femenina del jazz.

Ella Jane Fitzgerald apodada Lady Ella y The First Lady of Song fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop, etc.
Junto con Billie Holiday y Sarah Vaughan, está considerada como la cantante más importante e influyente de la historia del jazz (y, en general, de la canción melódica popular). Estaba dotada de una voz con un rango vocal de tres octavas, destacando su clara y precisa vocalización y su capacidad de improvisación, sobre todo en el scat, técnica que desarrolló en los años cuarenta y que anunció el surgimiento del bop. En los años cincuenta sentó cátedra con su concepción de la canción melódica, en paralelo a la obra de Frank Sinatra, con sus versiones de los temas de los grandes compositores de la canción popular estadounidense

Ganó 13 Premios Grammy, y fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes y la Medalla Presidencial de la Libertad de Estados Unidos.

Ya ciega a consecuencia de la diabetes que padecía, en 1993 perdía sus piernas, y un tiempo después fallecía en Beverly Hills, California. De ella, su compañero y amigo Duke Ellington dijo "Ella Fitzgerald está más allá de cualquier categoría". Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Angeles, California.

Billie Holiday cantante estadounidense de jazz, también llamada Lady Day. El valor artístico de Billie Holiday reside en su capacidad interpretativa, en su dominio del "swing" y en la adaptación de sus cualidades vocales al contenido de la canción. Billie Holiday transmite a sus canciones una intensidad inigualable que, en muchos casos, es fruto de una traslación de sus vivencias personales a las letras cantadas. Esta personalización de lo cantado hace que su estilo esté muy vinculado a intérpretes clásicos de blues como Bessie Smith o Ma Rainey; también está clara su deuda, confirmada por ella misma, con Louis Armstrong y, desde luego, con quien sería su principal acompañante: el saxofonista tenor y clarinetista Lester Young.

Aunque en los últimos años se ha hecho un gran avance en la investigación biográfica sobre Billie Holiday, su vida sigue teniendo numerosos episodios en la sombra y numerosos aspectos permeados de elementos míticos, legendarios, incentivados por ella misma en su autobiografía.

Holiday fue aficionada a las drogas psicoactivas, usándolas durante casi toda su vida. Fumaba marihuana desde los doce o trece años de edad. Sin embargo fue la heroína la que la destruyó. No está claro quién fue el que introdujo a Holiday en las drogas, pero historiadores y fuentes contemporáneas coinciden en que comenzó su uso abusivo de intravenosas alrededor de 1940.

Sarah Vaughan apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939. Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante.

El apetito de Vaughan por la vida nocturna era legendario y solía quedarse de fiesta después de sus actuaciones hasta bien entrado el día. Vaughan era una bebedora empedernida aunque, que se sepa, nunca hubo ningún incidente de intoxicación obvia sobre el escenario, que afectara a su habilidad interpretativa. Vaughan fue, supuestamente, usuaria habitual de marihuana y cocaína a lo largo de su carrera, pero era discreta en su uso y nunca sufrió de adicciones que la debilitaran o problemas con la ley que acabarían descarrilando la carrera de muchos de sus colegas. Vaughan fue fumadora durante toda su vida, lo que casi con seguridad contribuyó a su muerte prematura por cáncer de pulmón a la edad de 66 años.

TRACKS:

01. Billie Holiday - Blue Moon

02. Ella Fitzgerald - I'm Glad There Is You

03. Sarah Vaughan - Bewitched

04. Billie Holiday - Georgia On My Mind

05. Ella Fitzgerald - isn't it romantic

06. Sarah Vaughan - Broken-Hearted Meldy

07. Billie Holiday - My Man

08. Ella Fitzgerald - My One And Only

09. Sarah Vaughan - Just One Of Those Things

10. Billie Holiday - St. Louis Blues

11. Ella Fitzgerald - Stardust

12. Sarah Vaughan - Like Someone In Love

13. Billie Holiday - The Very Thought of You

14. Ella Fitzgerald - What Is This Thing Called Love

15. Sarah Vaughan - No 'Count Blues

16. Billie Holiday - Wherever You Are

17. Ella Fitzgerald - You Leave Me Breathless

18. Sarah Vaughan - The Man I Love

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La Danza Jazz

El jazz comenzó como uno de los movimientos de baile popular de los inicios del siglo XX. En esa época, la música jazz era la que se escuchaba en la radio. Los pasos de danza adoptaron el nombre “jazz” de la música jazz.

Ya tenemos la respuesta, no fue difícil de explicar ¿o sí? De hecho, fue bastante simple; sin embargo, esta respuesta nos lleva a otra pregunta: ¿es la danza que en la actualidad llamamos jazz digna de su nombre? El ballet es fácil de reconocer.

Tan pronto como vemos los pies abiertos, el cabello en un chongo y los brazos elegantes sabemos que estamos viendo ballet. En cambio, el jazz resulta un poco más difícil. El término jazz es una etiqueta que ponemos a las danzas de los espectáculos de Broadway, de los videos de MTV, de compañías de danza de concierto como la de Hubbard Street, de los bailarines callejeros, de los grupos de danza drill1 y de los bailarines de tap.

A pesar de que estos tipos de baile parecen ser muy diferentes, tienen una raíz común.Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción.

El jazz no es ni monótono ni árido, pues está lleno de cambios inesperados y repentinos. Los diversos tipos de danza jazz surgieron del énfasis en la importancia del estilo individual y de la improvisación. Como lo que hemos observado en los bailarines de hip-hop de hoy, el jazz subraya la expresión individual. Cada maestro, bailarín y coreógrafo aporta un estilo único a la gran mezcla. Aquí la conformidad se desaprueba por completo.

Junto con la síncopa y la expresión individual, la conexión con la música es otro elemento del jazz. La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.La danza drill comenzó en los Estados Unidos en 1932. Los grupos que la practicaban mezclaron el orden y la perfección de los grupos militares y los de las rutinas interpretadas en el medio tiempo de los partidos de fútbol con el jazz.

Este estilo de danza se caracteriza por la búsqueda de la perfección en la ejecución de los pasos por todos los integrantes del grupo, por la formación rígida y, en ocasiones, por la igualdad de apariencia entre sus miembros. Ahora imaginemos que la danza es un enorme roble. Sé que puede requerir un poco de imaginación, pero por favor síganme la corriente.

En las raíces del roble encontramos la música jazz. El tronco del árbol está hecho de los tres elementos: la síncopa, que lo hace emocionante; el estilo individual, que brinda variedad; y la expresión musical, que lo hace más real. Ahora imaginemos que del tronco salen cuatro ramas centrales desde las que se extienden todas las demás.

La primera y más vieja rama es aquella de la danza popular. El hip-hop, el break dance, el disco, el twist y el swing crearon furor entre danzas populares de la música de su tiempo. Los pasos originales del jazz fueron exactamente esos. La danza popular da una gran importancia al estilo individual y a la expresión musical. Pero espera, me dirán ustedes, la mayoría de estos estilos musicales no usan la síncopa. Es cierto. Cuando nació el rock and roll, la síncopa desapareció de la música popular. Sin embargo, lo que vemos en la danza popular es una síncopa “visual”. Los cambios dinámicos frecuentes y los movimientos inesperados hacen el baile emocionante.

La segunda rama es la de la danza de teatro musical. Ya que el ballet es la danza de los reyes y las princesas, los musicales necesitaron danzas que vinieran de la gente común, por lo que utilizaron los pasos de los bailes populares y los combinaron con sus canciones. El jazz del teatro musical utiliza todos los elementos que hemos mencionado: es dinámico, individual y está estrechamente relacionado con la música.

La tercera rama que se desarrolló es la de la danza jazz de concierto. La danza de concierto se refiere, básicamente, al mundo del ballet y las compañías de danza moderna. Después del nacimiento de las técnicas formales de danza jazz en el teatro musical, este estilo halló su lugar entre las compañías de concierto. Así se mezcló con las técnicas moderna y clásica, por lo que frecuentemente se le denomina Jazz moderno. De cualquier manera, algunas compañías han comenzado a llevar una clase más tradicional de jazz al escenario.

La cuarta rama es la de los equipos de danza drill, las porristas y la gimnasia. Aquí me voy a ir hacia afuera del árbol (hacia los márgenes de la escena) por esta rama que es más una vara que una rama. Digo esto porque dichos estilos se separan del tronco del árbol más adelante, debido a que la enorme importancia que le dan a la precisión y a la conformidad impide la expresión del estilo individual.

A esta altura ya tenemos la imagen del árbol de la danza jazz plantado con firmeza en nuestras mentes. (¡Oh! ¿Cuándo se acabarán los juegos de palabras? Es mi última intervención, lo prometo). Ahora imaginemos que de las tres ramas (y la pequeña vara) se elevan cientos de miembros de nuestro árbol. Cada uno representa el estilo personal de un maestro. Finalmente, imaginemos que en esos miembros crecen miles de hojas que representan a cada estudiante de jazz. Sin importar lo diferentes que sean estos estilos, todos somos parte del mismo magnífico árbol de la danza jazz.

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Las Mujeres se apoderan del Jazz en el Perú

Pilar de la Hoz: Pilar de la Hoz nació como intérprete, diría yo, desde siempre, porque desde pequeñita ya tenia un amor incondicional por la música y porsupuesto por el cantoy, valga la redundancia, interpretaba ya las canciones muy a su estilo. Aquí les dejo una entrevista:

1.-¿Por què el publico italiano, peruano e internacional tendrìa que descubrir tu musica comprando tus discos...?

Tendría que descubrir la buena música que se está haciendo en el perú, la nueva música y el sentir de los peruanos de ahora.2.-Pilar cuantos temas has realizado y cuales han sido?En esta última producción titulada "Hozadías" he grabado 10 temas, los cuales son: Repercusión de Olga Milla, Muchacha viento de Daniel Kiri Escobar , Southamerican getaway de Burt Bacharach, Cómo he de vivir sin tí, Falling in love with love de Rodgers & Hart, Parque del amor de Olga Milla, Serrado de Djavan, Reverend Lee de Eugene Mc Daniels, Los amantes de Pepe Villalobos Ruiz, Love for sale de Cole Porter.

2.- Cuàles artistas podrias indicar como tus maestros o prefieres considerarte una outsider màs bien autodidacta?

Realmente soy autodidacta; porque lamentablemente no tuve la oportunidad de estudiar música y mis verdaderos maestros han sido los cantantes que he escuchado como Barbra Streisand, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Gal Costa, Jane Duboc, Lucio Dalla, Cecilia Bracamonte, Eva Ayllón, entre otros, he tenido la suerte de escuchar de todo y de aprender alguito de todos!!!

Gisella Altuna: Quien oye a esta extraordinaria peruana por primera vez queda simplemente extasiado y enamorado de su voz... Dueña de un talento innato, Gisella Altuna, intérprete de canciones con un sonido único combinando el jazz con instrumentos musicales peruanos, comenzó su carrera artística en 1997, cuando empujada por sus familiares y amigos la convencen de participar en un concurso para aficionados en la televisión limeña, logrando ganar en semifinales al interpretar dos boleros hermosos, como son: "La Mentira" (Alvaro Carrillo) y "Voy a Apagar la Luz" (Armando Manzanero).

Amante del Jazz y del Rhythm and Blues, también incluye en su repertorio temas exquisitos y celosamente seleccionados por ella misma entre lo mejor que dieron al mundo los grandes compositores de estos géneros musicales del país del norte.

Todo lo que cante Gisella Altuna, sea un vals peruano, un bolero, un blues o un bossanova, siempre será de exquisita calidad interpretativa, impregnada de su simpatía, con el arrullo y calidez de una voz fresca y personalidad sencilla y encantadora.

Ezquilache: Su nombre no es el tributo al apellido de su héroe de cabecera, sino a la calle donde empezaron hace tres años a ensayar. Claro, lo modificaron con la zeta de rigor. La zeta del jazz, que es el territorio básico para su propuesta.

Así nació Ezquilache, cuando tres chicas del cuerpo coral de las Voces del Jazz, se reunieron para estudiar eso que es su inspiración: las armonías vocales y Ella Fitzgerald.

Porque si bien cada una es compositora y cantante, vienen de territorios distintos. Yoly “Sista” García de los sonidos de los big bands y los arreglos con metales; Karin Zielinski del pop, el rock y el folk; y María Laura Bustamante del pop más acústico.

Cada una con una coloratura distinta, crearon un trío que si bien joven, tiene una calidad y creatividad de lo mejor, con voces que se ensamblan con la facilidad que dan horas de trabajo y la buena química. Y siempre con aspiraciones mayores.

Desiré Mandrile: una joven cantante peruana de 26 años que la escuche hace algunos dias y personalmente me gusto bastante, con influencias de Rythm, Jazz y Blues empezo su carrera artistica a los 12 años en Canada. Gran improvsadora musical dueña de una voz increible.

Cecilia Alessandra: Cecilia Alessandra, otra peruana que nos ofrece un variado repertorio de clásicos standards de jazz y bossa nova, así como música peruana con mucho swing, dentro de su propuesta de fusión.

Cuando en el 2006 conocimos el excelente disco recopilatorio "El sonido del jazz. Afro jazz peruano" editado por TDV Media & Entertainment. Esta mujer que canta en español, portugués, francés, italiano e inglés, es tan amplio su manejo de idiomas como su versatilidad vocal e influencias musicales. Así jazea un vals como si nada, se atreve con la fusión del flamenco y el chill out, del festejo con el techno, transforma una pieza clásica de jazz en un landó.

Cecilia ha dado un paso importante en su trayectoria y se suma a la plana de artistas que están haciendo que la música popular contemporánea peruana viva un buen momento y que sea disfrutable, vía exportación, como otros productos suculentos made in Perú.

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Estilos del Jazz

Swing: Si bien el jazz de Nueva Orleans se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensembles), cuando el jazz se hizo popular en los años 20 y la demanda de bandas de baile creció, fue necesario que estos ensembles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos incluían a más de tres o cuatro vientos. Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista , la era del Swing sólo comenzó “oficialmente” en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman. El Swing fue una importante fuerza en la música popular de Estados Unidos hasta que terminó la era de las big bands, o grandes bandas, en 1946. El Swing se diferencia del jazz de Nueva Orleans y del Dixieland principalmente porque sus ensembles son más sencillos y normalmente llenos de frases repetitivas (riffs) que contrastan con las más sofisticadas improvisaciones de los solistas.

Bebop: También conocido como Bop, fue un nuevo y radical estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40, explotando en 1945. La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la melodía después del primer coro. Los ensembles se hacían en unísono y la mayoría de los conjuntos tenían siete o menos músicos. Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones, siempre que éstas se ajustaran a la estructura de acordes del tema. Los músicos del Bebop eran virtuosos que tenían la habilidad de tocar tempi extremadamente rápidos y de manera prolongada. El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. (Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Thelonious Monk, Max Roach, Tadd Dameron, Ray Brown, Kenny Clarke).

Cool Jazz (o West Coast Jazz): Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50. Básicamente es una mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos. Como la mayor parte de los músicos que abrazaron este estilo eran de Los Angeles, es decir, de la costa oeste de Estados Unidos, también se llamó West Coast Jazz. A fines de los años 50 el Hard Bop de la costa este de EEUU reemplazó al Cool Jazz / West Coast Jazz. (Lester Young, Miles Davis, Lennie Tristano, Shorty Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil Evans).

Mainstream: Describe el estilo adoptado por algunos músicos veteranos del Swing durante los años 50, quienes preferieron modernizar su estilo en vez de tocar Bop o unirse a bandas de Dixieland, aunque muchos lo hicieron para sobrevivir. (Lester Young, Coleman Hawkins, Buck Clayton, Harry “Sweets” Edison, Roy Eldridge).

Third Stream: Un término que describe una fusión del jazz con la música docta. Los ejemplos de esta mezcla de dos idiomas tan diferentes no han dado gran resultado. (Modern Jazz Quartet, Gunther Schuller).

Hard Bop: Es una extensión del estilo Bop, en gran parte ignorado por los músicos del West Coast Jazz. Las diferencias básicas entre el Hard Bop y el estilo Bop son varias: las melodías tienden a ser más simples y frecuentemente tienen más Soul (alma), la sección rítmica es más relajada y toca con soltura, el contrabajista no está obligado a tocar 4/4 (4 pulsos por compás: 1-2-3-4- etc.), y se utilizan elementos del Gospel (música religiosa de los Negros). (Art Blakey y los Jazz Messengers, Horace Silver Quintet, Clifford Brown/Max Roach, John Coltrane, Cannonball Adderley, Miles Davis, Lee Morgan, Jimmy Smith, Kenny Dorham, Red Garland, Wes Montgomery, Roy Haynes).

Free Jazz / Avant-Garde: Free Jazz es un estilo totalmente radical. La música ya no es una forma libre continua, sino que los músicos gozan de libertad completa en sus solos para crear cualquier sonido que les parezca adecuado. Aunque este estilo ha sido oscurecido por otros desde los ‘70, es todavía una opción viable para los improvisadores, y sus innovaciones continúan influyendo indirectamente en la corriente moderna del jazz. El Avant-Garde se diferencia del Free Jazz en que sus ensembles actúan dentro de una cierta estructura, aunque las improvisaciones en general son igualmente libres de las reglas convencionales. Obviamente existen elementos básicos que comparten ambos estilos, y gran parte de los músicos identificados como seguidores de un estilo incursionan en el otro. En las mejores actuaciones de Avant-Garde es difícil determinar cuando termina la composición y comienza la improvisación. (John Coltrane, Ornette Coleman, Don Cherry, Cecil Taylor, Eric Dolphy, Anthony Braxton, John Carter, De Blackwell, Paul Bley, Andrew Hill, Steve Lacy).

Fusión: Es un término usado de tal manera en los últimos 25 años que casi no tiene significado. Originalmente era una mezcla de las improvisaciones del jazz con el poder y ritmos del Rock. Cuando éste evolucionó y se tornó más creativo y la calidad musical de los músicos rockeros mejoró, y cuando muchos jazzistas se cansaron del Hard Bop y no les interesaba tocar exclusivamente música Avant-Garde o Free Jazz, los jazzistas y rockeros comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente a unirse. (Miles Davis, Joe Zawinul, Herbie Hancock, Chick Corea, Jaco Pastorius, Lenny White, Dave Weckle, Wayne Shorter, Jean Luc Ponty).

Post Bop o Mainstream Moderno: Hoy es sumamente difícil caracterizar el jazz moderno. Gran parte de la música no encaja dentro de los estilos de su historia. No es tan influenciado por el Rock ni es tan libre como el Avant-Garde. Desde los comienzos de 1989, con el surgimiento de Wynton Marsalis, una nueva generación de músicos jóvenes ha decidido tocar un estilo actualizado del Hard Bop, también influenciado por la música del quinteto de Miles Davis de mediado de los años 60. (Wynton y Branford Marsalis, Wallace Roney, Cindy Blackman, Antonio Hart, Vincent Herring, Joshua Redman, John Scofield, Christian McBride, Bill Stewart, Javon Jackson).

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Historia del Saxofon

El saxofón fue creado a mitad de la década 1840 por Adolphe Sax, un fabricante de instrumentos y clarinetista nacido en Dinant (Bélgica) que trabajaba en París, y salió a la luz oficialmente con la patente de 1846 (que le fue concedida el 17 de mayo). Hizo 14 tipos distintos de saxofones. La asombrosa habilidad de Sax para ofender a los fabricantes rivales de instrumentos y los desafortunados prejuicios existentes respecto a su persona e instrumentos condujeron a que el saxofón no se utilizara en las orquestas, quedando relegado durante un largo periodo a las bandas militares, a pesar de su gran amistad con algunos influyentes compositores parisinos como Berlioz.

El saxofón usa una boquilla con una sola caña similar a la del clarinete, pero con una cámara interior hueca redonda o cuadrada. El cuerpo del saxofón es cónico, dándole propiedades más similares a las del oboe que al clarinete. Sin embargo, a diferencia del oboe, cuyo tubo es un cono único, la mayoría de los saxofones tienen una curva en la campana que los distingue de éstos. Entre los saxofones soprano y sopranino es más común encontrarlos rectos que curvos, y aunque los altos y tenores rectos también existen, son más raros. Existe un debate entre los músicos sobre el efecto que tiene la curvatura en el sonido.
Con una digitación sencilla, el saxofón moderno es generalmente considerado un instrumento fácil de aprender, especialmente cuando se procede de otros instrumentos de viento madera, aunque a pesar de esto se requiere una cantidad considerable de práctica y trabajo para alcanzar un sonido con color y correctamente afinado.
Sin embargo el saxofón ha sido durante muchos años, víctima de una concepción errónea de que es fácil de tocar. Normalmente se admite que el saxofón es fácil de tocar, pero difícil de perfeccionar, sobre todo en el registro agudo. Esta es una idea equivocada que se podría rectificar añadiendo una palabra: el saxofón es fácil de tocar “mal” (Larry Teal).

Las boquillas están hechas en una amplia variedad de materiales, las hay tanto metálicas como no metálicas. Las boquillas no metálicas son normalmente de ebonita, de plástico o de caucho duro, a veces de madera, y raras veces de cristal. A las boquillas de metal algunos le atribuyen un sonido distintivo, descrito a menudo como 'más brillante' que las no metálicas. Algunos músicos creen que las de plástico no producen un buen timbre. Otros saxofonistas afirman que el material tiene poca repercusión en el sonido, si es que tiene alguna, y que son las dimensiones físicas las que le dan a la boquilla su color tímbrico. Las (Teal 17) con una cámara cónica son las más cercanas al diseño original de Adolphe Sax y funcionan muy bien en la interpretación clásica.
El jazz y la música popular que los saxofonistas tocan a menudo se hacen con boquillas abiertas. Están adecuadas de manera que el bafle, o "techo", de la misma esté más cercano a la caña, por esa razón se crea un flujo de aire más rápido. Esto produce un sonido más claro que acorta fácilmente las distancias existentes en una big band o entre instrumentos amplificados. Aunque las aberturas grandes, y el sonido resultante, están comúnmente asociadas con las boquillas metálicas, cualquier boquilla puede tener una. De esta manera se permite una mayor flexibilidad en la afinación, dando cabida a efectos como el bending, común en el jazz y el rock. Los intérpretes clásicos por lo general suelen optar por una boquilla con una abertura estrecha y un cámara más baja, produciendo un sonido más oscuro y estable. Muchos intérpretes clásicos tocan boquillas de caucho, con una cámara interior redonda o cuadrada.

La técnica para tocar el saxofón es subjetiva y esta basada en el estilo que se pretenda tocar (clásica, jazz, rock, ska, funk, etc.) además del sonido que el músico tenga idealizado y pretenda alcanzar. El diseño del saxofón permite una increíble variedad de producción tonal, y el sonido de saxofón "ideal" y las llaves para producirlo son temas que alimentan acalorados debates. Sin embargo, hay una estructura básica subyacente que sustenta la mayoría de las técnicas. El instrumento también tiene una estructura de digitación que lejos de ser una fija se acerca más una amplia variedad de alternativas que en variados casos pueden producir el mismo tono utilizando digitaciones totalmente diferentes. Esta versatilidad única le permite al interprete utilizar la digitación más conveniente dependiendo del la escala que este utilizando o el tipo de música que en ese momento interpreta.

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